Стиль стримлайн в дизайне: Архитектурные стили, о которых редко говорят

Содержание

Стримлайн» в США. Транспортный дизайн в СССР перед второй мировой войной

⇐ ПредыдущаяСтр 14 из 19Следующая ⇒

Американский дизайн бурно развивается в 30-е годы и быстро становится новой профессией. Именно в США эта деятельность, которую раньше называли «промышленным искусством», впервые становится профессией. Причина заключается в том, что дизайн в США был всегда коммерческим, то есть рассматривался как важный элемент конкурентной борьбы компаний за предпочтения потребителей и качество товаров. Дизайном движет рынок, и наоборот – рынок движим дизайном. Поэтому основной критерий формы – это ее коммерческая успешность, и именно поэтому обтекаемая форма стала господствовать в американском дизайне. Она же дала название стилю – стиль обтекаемых форм, или стримлайн (его еще называют «американский модерн» за плавность линий).

Корни этого стиля можно обнаружить еще в футуризме, в его восхищении техническим совершенством машин и скоростью новых транспортных средств. (cтримлайн не случайно еще называют футуродизайном за концептуальную ориентацию на будущее вещей и людей). Скорость требует от создателей автомобилей, локомотивов и самолетов использования аэродинамических принципов правильного обтекания воздухом поверхности транспортного средства для снижения сопротивления воздуха. Отсюда плавность линий и обтекаемость форм. Они были заимствованы именно из мира новых транспортных средств. В результате бытовые приборы, фотоаппараты и даже точилки для карандашей обрели округлость и каплевидность обтекаемой формы (капля воды имеет совершенный аэродинамический профиль). Такая форма оказалась коммерчески привлекательной за счет того, что оставляла ощущение простоты, совершенства, легкости и современности. В автомобильном дизайне каплевидную форму называли «слезинкой» («tear drop»).

Развитие транспортного дизайна в СССР в начале 30-х шло по пути функциональных поисков второй половины 20-х и подчинялось, как и проектирование промышленных изделий, общим закономерностям развития техники во всем мире.

Один из первых в отечественной литературе серьезно поставил вопрос об эстетике автомобиля инженер А.Н. Кириллов, автор самого популярного из довоенных легковых автомобилей в СССР «М1» («Эмка»). Рассмотрев мировую эволюцию внешних форм автомобиля, он приходит к выводу, что в начале 30-х гг. должен произойти резкий перелом в формообразовании автомобильных кузовов переход к обтекаемым телам. А. Кириллов делает важных вывода: каждая линия контура или отделки автомобиля, каждая его деталь, видимая снаружи, должна подчеркивать основное назначение машины — движение; автомобиль должен иметь легкие, скругленные формы с плавно» переходящими друг в друга поверхностями. Согласно «законам эстетики автомобиля» А.Н. Кириллова в быстро движущихся телах горизонтальные линии должны преобладать над вертикальными, а у неподвижных, напротив — вертикальные над горизонтальными. По отношению к автомобилю это значит, что на его боковых поверхностях должны преобладать горизонтали, а спереди и сзади могут широко использоваться вертикали.

Первые опыты по созданию обтекаемых конструкций в России еще в конце 20-х гг. начал адъюнкт одной из военных академий, инженер А.И. Никитин. В построенном им на шасси ГАЗ-А обтекаемый автомобиль был без традиционно выступающих частей: фары — утоплены в крыльях, подножка размещена внутри кузова, колеса в обтекателях, наклон переднего стекла определен в 45 градусов. В итоге такая форма дала также экономию мощности до 37%, а в расходе топлива — 21%.

Определенную ценность представляют исследования и эксперименты Ю. Долматовского, в которых он подробно разбирал понятие красоты кузова, выявляя отличие динамической движущейся архитектуры и архитектуры статичных объектов. Для этого он анализирует пропорции и формы падающей капли, летящего голубя, плывущей рыбы, и обосновывает обтекаемость не только экономическими и техническими соображениями, но и требованиями достижения наибольшей эстетической выразительности.

В дизайне не может быть мелочей, если это касается человека, в особенности его жизни и здоровья. Все эргономические обоснования и предпосылки в процессе проектирования объектов дизайна оформляются в виде антропометрических, психофизиологических и прочих таблиц и рекомендаций. Они становятся основой эргономического проектирования, в процессе которого дизайне формирует эргономическую модель будущего объект обеспечивающую оптимальное взаимодействие систем человек — предмет — среда.

26. Послевоенный дизайн в США. Неофункционализм, элитарный дизайн (стайлинг), «автомобильный» стиль, «органический» дизайн.

В послевоенные годы дизайн в США получил широчайшее распространение, выступая своеобразным посредником между искусством , промышленностью и потребителем. Развитие дизайна было связано в основном с университетами, общественными организациями, местными дизайнерскими центрами. В 1970-е годы действовали более 1500 дизайнерских фирм, в т. ч. Крупных и разнообразных по функциям, дизайнерские службы были на всех крупных и средних промышленных фирмах. Еще в 1938 году был основан институт дизайна , который не ставя своей целью извлечение прибыли, объединял людей, чья профессия так или иначе связана с дизайном. Направлениями его деятельности было: пропаганда дизайна, ознакомление промышленников с дизайном, поддержка законодательных м ер, направленных на охрану авторских прав дизайнеров. Р. Лоуи , Г Дейфус выступили в 1944 году инициаторами создания американского общества промышленных дизайнеров. В 1965 году институт дизайна и общество объединились в общество дизайнеров Америки, которое в конце 1960-х годов насчитывало 650 действительных членов. Общество дизайнеров Америки фактически представляло собой координирующий центр в системе дизайнерских организации страны, стремившихся утвердить дизайн как одну из важнейших профессий в современном обществе.


Автомобильный стиль. В 1950-е годы в Америке пышно расцвел стиль, вызвавший возмущение ревнителей «хорошего дизайна». С легкой руки дизайнера компании «Дженерал моторе» Харли Эрла детройтские автомобилестроители позволили обычным людям войти в фантастический мир скорости и полета. Вдохновленный образами авиалайнеров, межпланетных ракет, Харли Эрл разрабатывает новый автомобиль — воплощение американской мечты — с длинными плавными линиями, с выступающими клыками на передних бамперах, с опоясывающими ветровыми стеклами, широкими задними крыльями, яркой двухцветной окраской, с хромированными ободами и множеством приборов на передней панели, отделанной металлизированным пластиком. Эти автомобили вызвали в США беспрецедентную стратегию продаж.

Создатели других изделий массового спроса охотно переняли новые идеи автомобильного дизайна: панели управления посудомоечных машин стали походить на приборные доски автомобилей, причем для полноты картины дисковые таймеры делались в форме миниатюрного рулевого колеса. Даже скромный настольный радиоприемник приобрел линии мчащегося автомобиля, обрамленного, правда, не хромированной сталью, а пластиком.

Одним из наиболее ярких для б0-х годов был проект специализированного автомобиля-такси (1963-1965), выполненный в реальном материале как действующая модель, в которой в реальной ситуации можно было увидеть все выгоды или просчеты дизайнерского решения. Автомобиль-такси был построен в опытных мастерских ВНИИТЭ. Когда директор института докладывал о новой машине в Министерстве автомобильной промышленности, то скептики сказали, что такая машина вообще не сможет ездить. Здесь директор сделал театральный жест и сказал, что собственно они и приехали на этом автомобиле и он стоит во дворе. Все собрание ринулось на улицу…

В автомобиле-такси было все необычно: и внешний вид, до сих пор сохраняющий привлекательность, гармоничность, современность; и вагонная компоновка, широкая сдвижная дверь; и перемещение двигателя назад; и его поперечное расположение; и материал корпуса — стеклопластик.

Автомобиль-такси в сравнении с обычным серийным автомобилем «Волга», который использовался в качестве такси в те годы, показал удобство посадки пассажира и загрузки багажа, удобство работы водителя, удобство обслуживания, заметность автомобиля на улице, его компактность и маневренность в городе. Несмотря на то, что специализированный автомобиль-такси показал себя более пригодным и экономичным ему, как и многим другим прогрессивным проектам того времени, так и не суждено было реализоваться в промышленности в условиях планового социалистического хозяйствования

Элитарный дизайн. Стайлинг. Несмотря на то, что большинство дизайнеров оставались независимыми от промышленности, обеспечивавшей их работой, в послевоенной Америке сложились две тенденции формообразования в дизайне. Одни из них сознательно культивировали элитарность, подчеркивали, что моральный долг дизайнеров — способствовать эстетическому развитию публики. Другая – наоборот, совершенствовала самые обычные вещи. Даже скромный настольный радиоприемник приобрел линии мчащегося автомобиля, обрамленного, правда, не хромированной сталью, а пластиком «под золото». Ультрасовременные, то есть дерзкие и даже кричащие формы, пришлись по вкусу американскому потребителю.

Историки дизайна определяют стаилинг – как поверхностное изменение формы, не затрагивающее внутреннее устройство. Цель стайлинга- игнорировать или усилить соотношение внешней формы и функции. В широком смысле стайлинг включает в себя все напрвления формообразования в дизайне.

Органический дизайн. Основой органического дизайна была концепция органической архитектуры, впервые сформулированная Ллойдом Райтом и Чалзом Ренни Макинтошем в конце XIX века. Ее суть состояла в том, что отдельные элементы окружающей среды (начиная с вещей и мебели) должны визуально и функционально вписываться в интерьер помещения, общую концепцию здания, которое само должно быть вписано в окружающую местность. Одним из основателей органического дизайна был финский архитектор Алвар Аалто, широко использовавший натуральные материалы.

Распространение различных, в т.ч. резко противоположных концепций в дизайне, радикализм вчерашних студентов с их борьбой против авторитетов вызвали к жизни революционные веяния в стилистике формообразования. Молодые дизайнеры черпали вдохновение в крайних элементах массовой культуры -комиксах, архитектурных формах придорожных закусочных, автомобилях 1950-х годов — огромных по размерам, с хвостовыми «оперениями» и «реактивными дюзами», обилием хромированного металла. Поп-арт и творения его лидера Энди Уорхола начинали все активнее использоваться в дизайне. Усилилось влияние европейского дизайна, прежде всего скандинавского и итальянского.

Все это в сочетании с новыми материалами и технологиями существенно расширило границы приемов формообразования, использования цвета и текстуры. Смешение различных стилистических направлений, эклектика станут главной приметой второй половины и, особенно, конца XX века.

Не́офункционализм — одна из теорий европейской интеграции, созданная после Второй мировой войны и являющаяся ревизионистским вариантом функционализма.

Теория разработана группой американских исследователей во главе с Э. Б. Хаасом, к 1960-м годам функционализм стал ведущей теорией европейской интеграции. Сильной стороной неофункционализма стало стремление к управляемой интеграции на региональном уровне. А наиболее существенным отличием от классического функционализма было то, что на первый план выдвигалась политика, стремление к политическому сотрудничеству, но через сотрудничество экономическое. Таким образом, освободившись от ряда недоработок функционалистов, обновленная теория вносила чёткость в интеграционный процесс.

«Хорошая форма» и неофункционализм.

Ульм показал, что в немецком дизайне 60-х гг. стилевым принципом стал функционализм («хорошая форма»), который даже стал представляться различным учреждениями, дизайн-центрами и советами по формообразованию как догма. Доценты Ульмской высшей школы работали для фирм «Браун», «Витсуе» и «Розенталь», чьи продукты во всем мире показали сущность «хорошей формы» и «германского дизайна». Функциональные и технологические аспекты все более выступали в дизайне на передний план и дизайнеры стали восприниматься главным образом как инженеры, а не художники. Эргономика стала новым важным полем деятельности.

«Прямоугольные» формы и ульмское мышление нашли выход в массовое производство: модульное изготовление и строительство давало возможность рационального производства с минимумом затрат.

Формы стали жестче, граненей, предметнее, отчасти — менее оригинальными. При этом плохо «скопированный» функционализм, который лишь намекал на прямые углы, слишком часто приводил к скучным массовым продуктам, а также нечеловечным панельным домам, которые часто становились социально проблемными точками.

 

 




Стиль Арт-деко в интерьере: формирование, идея, история

Для интерьеров в стиле арт-деко характерны закругленные углы, строгие вертикальные линии и вогнутые формы.

Стиль Арт-деко в интерьере.

Зародился Арт-деко (или «ар-деко») как стиль в 1908 — 1912 годах, достиг расцвета между 1925 и 1935 годами. Этот стиль возник на основе различных течений в искусстве и дизайне 1900-х годов, таких как модерн, венский Сецессион, немецкий союз дизайнеров Веркбунд, русский конструктивизм и голландское движение «Де Стейл», а также модернистские достижения в живописи, такие как абстракционизм и кубизм.

Термин «Арт-Десо» происходит от названия Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes — Международная выставка современных и декоративных искусств и ремесел 1925 года в Париже, на которой в полном объеме были представлены достижения декоративно-прикладных искусств того времени. Сам термин возник еще позднее — в 1966 году, во время возрождения выставки в парижском Musee des Arts Decoratifs (Музее декоративных искусств). До этого его называли «джазовый модерн», «зигзаг модерн», «обтекаемый модерн». После парижской выставки 1925 года ар-деко стал главенствующим направлением в интерьерах того времени.

Вопреки кризису и экономической депрессии, декларируя культ роскоши и утонченный гедонизм. Интерьеры кинотеатров, отелей, ресторанов, океанских лайнеров, особняков и квартир в Европе и Америке проектировались и строились в стеле Арт-деко. Но не только дизайн интерьера и архитектуру, данный стиль задел, также моду, живопись, декоративно-прикладное, ювелирное искусство, и кинематограф. Особенно ко двору пришелся ар-деко в Голливуде, что неудивительно: и кинематографическая «фабрика грез», и изысканный декоративный стиль делали одно дело – создавали иллюзию благополучной, роскошный и беззаботной жизни. Перерыв в популярности Арт-Деко был вызван великой депрессией, когда стремление экономить на всем проникло в дизайн.

Стиль Ар-деко – это воплощенное торжество эклектики.

Интерьер в стиле Арт-деко, представляет собой смешение стилей и элементов различных эпох и стилевых направлений: ампира, египетской архаики, индийской экзотики и африканской декоративности. Он характеризуется закругленными углами, четкими вертикальными линиями и вогнутыми формами. Обычные материалы включают в себя экзотические сорта древесины, пластиковый ламинат, хром и нержавеющую сталь. Мастера Арт Деко изучали и тонко использовали выразительные возможности, цвет и фактуру различных материалов, стекла, пластмасс. Демонстративная современность Арт Деко проявилась в частой обтекаемости форм («стрим-лайн»).

Внешне близкие к Арт-Нуво и архитектуре современного движения эти линии отличны от тех и других. Обтекаемые линии произведений Арт-Деко подражают динамичным формам транспортных устройств: автомобилей, кораблей, самолетов, но роль этих форм не функциональна, а чисто изобразительна, «семиотична» как знак принадлежности к «современному миру машин», рассматриваемому как среда будущего. Не случайно Арт-Деко активно использовался в архитектуре кинотеатров и в декорациях для фильмов с картинами будущего и фантастики. Технические средства для строительства высотных зданий — стальные конструкции и железобетон — к моменту появления небоскребов в стиле Арт-Деко уже были хорошо освоены, «стильность» Арт-Деко придавали ступенчатые силуэты и неконструктивные декоративные элементы, а совсем не высота, новые материалы и технологии. Формы этих новых зданий, возводившихся в конце 1920-х в начале 1930-х годов, по сей день являются наиболее замечательным наследием Арт-Деко. До сих пор продолжают строить небоскребы по образу и подобию Крайслер-билдинг.

Интерьеры.

Арт деко отличаются элегантной и роскошной декоративностью. Роспись комбинировали с мозаикой, инкрустацию с резьбой: такие комбинации создавали неповторимые ансамбли предметов, мебели, скульптуры и живописи. Уникальные растительные орнаменты арт деко на каждом предмете: панно на стене, портьерах и мебели. Стиль Арт Деко начался с упоения роскошью и орнаментом, но впоследствии этот стиль изменил направление в сторону концепции функционального дизайна, впервые выдвинутой Баухаузом, и это произошло, в 30-40 года, когда немецкие дизайнеры прибыли в Америку, спасаясь от преследований в фашистской Германии, и привнесли свои идеи в американскую школу Арт-Деко.

Обтекаемые силуэты новой мебели пользовались огромной популярностью. Активно применялись декоративные элементы в виде зигзагов, треугольников, окружностей. В качестве материала для мебели арт-деко в интерьере, служили красное и черное дерево, а также такие технологические инновации, как цветное стекло. Количество предметов ручной работы и эксклюзивных предметов мебели, к которой тяготел стиль Арт-деко в 20-е, стало ограничено, но был налажен выпуск огромного потока недорогих изделий Арт-Деко.

Стильность мебели достигалась путем покрытия обычных, массивных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых силуэтов из гнутой фанеры. Ручки изготавливали из обычной бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев. Популярны были сочетания черного и светлого лака. Глянцевые лакированные покрытия мебели является характерным для данного стиля. Прямоугольные очертания соотносятся с модернистскими направлениями, в то время как использование драгоценных пород дерева напоминает о традициях французских краснодеревщиков.

Основные мотивы Арт-деко в интерьере:

  • геометрические: круги, прямоугольники, квадраты, эллипсы, зигзаги, ступенчатые формы, ромбы, полукруги, черно-белые клавиши рояля, гранёные, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма,
  • мотив Солнца;
  • растительные:тропическая растительность;
  • лотосы, стилизованный камыш, пальмы;
  • анималистические: мифологические существа, экзотических птицы и животные, например, фламинго, грациозные дикие кошки, слоны, пантеры, ягуары;
  • восточные:пирамиды, зиккураты, египетские (изображение лотоса, скарабеи) , ацтекские (змеи, орлы), африканские орнаменты, мифологические персонажи;
  • антропоморфные: изогнутые женские и мужские фигуры.
Металл в интерьере арт-деко.

Эпоху стиля Арт-Деко называют «золотым веком для сварного железа». Новые архитекторы и дизайнеры использовали металл не только для изготовления каркасов конструкций, но и для вентиляционных решеток, перилл ограждений, входных дверей, лифтов, каминных принадлежностей, уличных фонарей и светильников в интерьеры. Эдгар Брандт (Edgar Brandt) является одним из самых ярких представителей французского арт-деко. Он сумел не только подчинить себе холодный металл, но и создать из него поистине невообразимые, изящные вещи, которые с уверенностью можно назвать произведениями искусства. Его архитектурная и декоративная ковка являются одними из самых красивых работ того времени. Как правило, законченный образ его кованым железным изделиям придавала бронзовая отделка, зачастую включающая архитектурные элементы с цветочными мотивами.

Объединение мотивов Древнего Египта, греческой классики, цветочные и животные формы, геометрические конструкции — все это создавало неповторимый, щедрый на роскошь стиль Эдгара Брандта. В Нью-Йорке его компания Ferrobrandt в 1925 году оформляет офис крупного импортера шелка Cheney Silk Building на 181 Madison Avenue. Это первый небоскреб Манхэттена в стиле арт-деко. Фирменным элементом здания стали решетки с мотивами фонтанов и оазисов. Вскоре свежий французский декоративный стиль станет визитной карточкой деловой столицы мира. Вскоре мастера по металлу, такие как Эдгар Брандт, Элиэль Сааринен и другие перешли от железа и бронзы к новым материалам, таким как сталь, алюминий, хром. Сверкающий металлический орнамент- его теплота и холодности, его твердость и блеск — стал неотъемлимой чертой декоративного стиля Арт-Деко.

Цветовая гамма.

Белый, цвет слоновой кости, бежевый, коричневый, терракотовый, визитной карточкой Арт-деко является черно-белый контраст. В качестве цветовых акцентов, в декоративных вставках, мозаичных панно, живописных картинах используются такие цвета как: красный, фиолетовый, золотой, лимонный, оранжевый, алый, лиловый, ярко-желтый, фиолетовый, ультрамариновый, голубой. При этом они располагаются на монохромных стенах, являющимися, нейтральным фоном для этих цветных элементов. Стены, как правило, однотонные, но часто с декоративными, иногда лепными бордюрами, изредка на стенах использовался геометрический рисунок или полоска.

Art-Deco возвращается.

После начала второй мировой войны мир изменился бесповоротно, и стиль Арт-Деко стал частью истории. Но в конце 20 века он вновь привлекает к себе внимание дизайнеров. Особенно этот стиль привлекает заказчиков в России, Арабских эмиратах. Вновь дизайнеры создают роскошные и элегантные дома и квартиры для новой современной элиты в стиле Арт-деко.

Истоки и первые образцы стиля ар-деко в США

0

Впервые опубликовано в сборнике: Декоративное искусство и предметно-пространственная среда. Вестник МГХПА. №3. Часть 1 Москва, 2020 с. 21-31. Предоставлено автором. 

Расцвет стиля ар-деко в США пришелся на рубеж 1920-1930-х гг. и влияние на его становление оказал широкий круг источников, исторических и актуальных. Важнейшим среди них был т.н. «стиль 1925 года», воплощенный в знаменитых павильонах «Международной выставки декоративного искусства и художественной промышленности», открытой в Париже 28 апреля 1925 г. Однако помимо художественных и тектонических концепций стиль небоскребов формировался и благодаря градостроительным, юридическим ограничениям.

Определяющим для становления стиля небоскребов стал нью-йоркский закон о зонировании 1916 г., ограничивавший вновь возводимые здания ступенчатым силуэтом. [1] В 1922 г. Х. Корбетт и Х. Феррис выпускают проект башни с учетом его требований. И с этого момента неоархаическая, средневековая образность начинает осознаваться как художественно ценная идея. Так закон о зонировании 1916 г., равнодушный к стилевой характеристике высотного здания, определил высокохудожественный эффект тектонического утонения башен, сформировал неоацтекскую уступчатость и неоготический силуэт городов Америки.

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, общий вид. Арх. фирма «Холаберт и Рут», 1925

Фотография © Андрей Бархин


На смену традиционным пропорциям улиц и зданиям с классическими карнизами, в эпоху 1920-1930-х в города Америки приходит эстетика каньона. В Чикаго, втором центре развития нового стиля, в период с 1927 по 1930 гг. фирмы «Холаберт и Рут», а также «Грехем, Андерсон, Пробст и Уайт» возводят по пять уступчатых небоскребов в неоархаическом, мезоамериканском ар-деко. Монументальные, расположенные друг напротив друга, они были призваны конкурировать и с достижениями неоклассики 1900-1910-х, и между собой. Они не могли не восхищать, и так стремились работать и советские архитекторы 1930-х. Более того, неоархаизм ар-деко обрел в США еще один, национальный источник вдохновения – кирпичные башни Р. Уалкера в Нью-Йорке восходили к блистательной эстетике скал Долины монументов (таковы, например, Вестерн Юнион билдинг, 1930 и Эй-Ти-энд-Ти Лонг Дистанс билдинг, 1932). Уступчатые и покрытые барельефами, башни ар-деко казались выросшими до небес творениями Ацтеков и Майя. [2]

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, портал главного фасада. Арх. фирма «Холаберт и Рут», 1925

Фотография © Андрей Бархин


Стиль ар-деко выступил в 1910-1930-е в качестве композиционной и пластической альтернативы неоклассике (историзму). Так, характерной чертой ар-деко США становятся миниатюрность, плоскостность декора, резкий масштабный и пластический контраст редких декоративных акцентов и грандиозной, аскетично решенной основной части башни. Подобно работам Луиса Салливана, входные порталы небоскребов решались роскошно, но камерно. Мастера ар-деко не стали укрупнять архаические мотивы, таков был образ грандиозной, «заселенной» древней пирамиды и предел масштабов его воплощения. Создаваемые на огромной высоте барельефы ар-деко кардинально отличалась от пластической пышности историзма. Это были намеренно уплощенные, миниатюрные детали, как бы попавшие из музея на улицу, не изменив своих размеров.

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, фрагмент бокового фасада. 1925

Фотография © Андрей Бархин

Чанин билдинг в Нью-Йорке, деталь. Арх. фирма «Слоан энд Робертсон», 1927

Фотография © Андрей Бархин


Пластика ар-деко была крайне разнообразна – она могла быть как заостренной, геометричной, так и намеренно скругленной, «набухшей» или аэродинамичной, созданной в эстетике т.н. стримлайна. Отбросив греко-римский канон, ар-деко позволяло авторам проявить свою фантазию и эрудицию. Так, например, в моду входит особая смягченная трактовка формы, восходящая к пластике буддийской и древнеегипетской скульптуры. Другой, противоположной модой 1920-1930-х становится заострение, геометризация силуэтов и рисунка деталей. Неслучайно в годы своего создания стиль 1920-1930-х получал наименования «зигзаг-модерн», «джаз-модерн» и подобные, подчеркивающие кубистскую основу ар-деко. Геометризм, условность становится характерным отличием ар-деко от неоклассики, столь же очевидным, как различия между скульптурным каноном Древней Греции и барельефами Мезоамерики. [3]

Таким образом, декоративность небоскребов могла принимать формы геометризации историзма (Американ Радиатор билдинг) и пластической фантазии (Дженерал Электрик билдинг), аутентичной архаизации или предельной, абстрактной аскетизации. Небоскребы могли быть украшены геометризованными, неоархаическими (отель Интер Континенталь), фантазийными деталями, или лишены их вовсе. И, тем не менее, они предстают цельной, узнаваемой стилистикой. Пластика этих башен могла восходить как к идеям авангарда, новациям 1910-х и павильонам выставки 1925 г., так и к суровым монументам далекого прошлого. Однако именно пирамиды древних цивилизаций сформировали и уплощенность барельефов, и уступчатый силуэт башен ар-деко. Таков был пластический и композиционный неоархаизм ар-деко Америки.

Здание Ригли («Грехем, Андерсон, Пробст и Уайт», 1922) и Чикаго Трибюн (Р. Худ, 1923)

Фотография © Андрей Бархин

Отель Интерконтиненталь в Чикаго, В. Алшлагер, 1929

Фотография © Андрей Бархин


Впервые характерное для ар-деко сочетание уплощенных барельефов и уступчатого силуэта, осуществит в Нью-Йорке архитектор Р. Уалкер. Барклай-Везье билдинг (с 1923) стало первым, начатым еще до выставки 1925 г., небоскребом в стиле ар-деко. [4] В его архитектуре очевиден широкий круг стилевых истоков – это и эстетика уступчатого неоацтекского силуэта, и сложная, в духе кубизма композиция, а также редкие, сложно прорисованные в духе Л. Салливана рельефы, восходящие к ближневосточному, романскому и кельтскому наследию. Такими же будут и высотные здания рубежа 1920-1930-х.

Барклай-Везье-билдинг в Нью-Йорке. Р. Уокер. 1923

Фотография © Андрей Бархин


Однако какова была роль в становлении стиля небоскребов Международной выставки декоративного искусства и художественной промышленности 1925 г. в Париже?

Выставка в Париже, первоначально планируемая на 1914 г. и проведенная в 1925 г. после длительной строительной паузы, стремилась стать возрождением довоенной роскоши архитектуры, и собрала все новации первой четверти ХХ в. Ее павильоны, как впоследствии и небоскребы Америки, были решены в духе ориентализма и неоархаики – уступчатым силуэтом, уплощенными фантазийно-геометризованными рельефами, контрастом декоративных акцентов и аскетичного фона. Таковы были французские павильоны «Студиум Лувр» и «Примавера», «Помон» и «Метриз», торговые аркады на мосту Александра III. И одним из первых образцов импортированного в США «стиля 1925 года» стали изысканные металлические решетки знаменитого Эдгара Брандта, участника парижской выставки. Уже в 1925 они украсили нью-йоркский небоскреб Медисон Бельмонт билдинг. Выставка 1925 г. в Париже «подарила имя» стилю 1920-1930-х и стала его рекламой, однако она не могла в одиночку определить эстетику небоскребов. [5]

Барклай-Везье-билдинг в Нью-Йорке, деталь. Р. Уокер. 1923

Фотография © Андрей Бархин


Архитектура ар-деко на парижской выставке 1925 г. и американская архитектура рубежа 1920-1930-х имели общие истоки, которые питали оба явления. Недостающей промежуточной ступенью между единичными, уникальными в мировом контексте работами Л. Салливана и Ф.Л. Райта 1890-1900-х и массовым распространением нового стиля стала голландская архитектура рубежа 1910-1920-х. Именно в Амстердаме, впервые после Первой мировой войны и работ Райта 1900-х, возникают примеры фантазийно-геометризованного декора, и этот эксперимент носил массовый, убеждающий характер. Причем это были не временные сооружения, созданные лишь ради выставки, но городская среда. [6] Голландские архитекторы первыми ощутили новаторский потенциал стиля Райта и стали его развивать, а в конце 1920-х по их пути пойдут и создатели американского ар-деко. Так созданное на пересечении линий, идущих из Чикаго (от Салливана и Райта), Парижа и Амстердама, ар-деко Америки стало эпохой массового применения и укрупнения ранее созданных решений.

Эпохой зарождения тех тенденций, что сформируют ар-деко, становятся еще 1890-1900-е гг. Те стилевые линии, что пересекутся на рубеже 1920-1930-х, возникают еще в эпоху раннего ар-деко, и несколько десятилетий они будут пульсировать, конкурировать и формировать мировую моду. В 1893 г. Райт уходит из мастерской Салливана, и это расхождение двух гениев сформирует два русла, по которым впоследствии будет развиваться американское ар-деко. Последнее десятилетие XIX в. стало для Луиса Салливана периодом расцвета, вершиной его творческого пути. Тогда, в 1890-е он активно работает с фантазийным, плоскостным декором, Райт же изобретает собственную архитектуру, геометризованную.

Монументальным шедевром раннего ар-деко Райта стала, украшенная фантазийнно-геометрическим декором, Юнити темпл в Оак парке (1906). [7] И в ее архитектуре очевидно и увлечение японской культурой (особенно, в интерьере), и открытие мастером новых стилевых приемов. [8] Магическая форма этой церкви с невероятной силой «бьет» в два направления, она предрекает и неоархаизм ар-деко, и абстракцию авангарда. И именно эта двойственность будет характерна и для стиля небоскребов.

9 Баярд-Кондикт билдинг в Нью-Йорке. Л. Салливен. 1899

Фотография © Андрей Бархин

Баярд Кондикт билдинг в Нью-Йорке, Л. Салливан, 1899

Фотография © Андрей Бархин


1910-1920-е стали для Европы и США эпохой обмена архитектурными новациями, и после выставки 1925 года в Париже мода на новый стиль, ар-деко уже полновластно захватит города Америки. Однако еще в 1910-м в Берлине выходит двухтомное издание работ Ф.Л. Райта (т.н. портфолио Э. Васмута). Оно оказало значительное влияние на развитие в Европе и авангарда, и ар-деко. [9] Ответом Юнити Темпл стали, выстроенные в Амстердаме и повторяющие ее формы, здания – Синагоги (Г.Элте, 1927) и Иерусалимской церкви (Ф.Б. Янтсен, 1929). Редким в СССР приближением к стилю чикагского мастера и стримлайну стал вестибюль станции метро «Сокольники» в Москве (1935), решенный горизонталями карнизов и рамок, а также цоколями с характерными вазами. [10]

Творчество Фрэнка Ллойда Райта 1900-1920-х предстает постепенным движением от «стиля прерий» к концепции «текстильных блоков». И важнейшим источником вдохновения для мастера в эти годы становится наследие Ацтеков и Майя. [11] Влияние архаической, мезоамериканской архитектуры на стилевые приемы Райта было косвенным, но значительным. Это не была стилизация. Однако и монументальные ступенчатые основания, и сдвоенные горизонтальные тяги, рамки («дома прерий», Роби хаус), и пояса уплощенных рельефов и паттернов (дом Уинслоу, Мидвей Гарденс, склады Германа), и даже плоские кровли (Юнити темпл) – все это было одновременно и переосмыслением образов древней, мезоамериканкой архитектуры, в первую очередь, храмов Ушмаля, и разнообразной, талантливой стилистической новацией.

На рубеже 1910-1920-х Райт начинает работать в Японии и Лос-Анжелесе, где возводит великолепную серию частных вилл, особняков. Выстроенные в архитектуре т.н. «текстильных блоков», они воплотили в себе парадоксальный и выразительный синтез неоархаических и технократических мотивов. [12] Таким образом, эволюция стиля Ф.Л. Райта в 1910-20-е состояла в усложнении архитектурной декорации и приближении к эстетике ар-деко. [13]

Юнити темпл в Оак-парке, Чикаго. Ф.Л. Райт. 1906.

Фотография © Андрей Бархин


В 1924 г. Райт сам показывает, как можно превратить стиль его особняков в небоскребы: для Чикаго он создает великолепный проект Нэшнл Лайф Иншуранс билдинг. Его уступчатость была продиктована законом о зонировании, и лишь прием плоскостного геометризованного рельефа был, как кажется, действительно неоархаическим, мезоамериканским. Однако работа с декоративными вставками (паттернами, «текстурами») обретает в США еще один источник – предвестником плоскостных барельефов ар-деко станет фантазийный стиль Луиса Салливана.

Юнити темпл в Оак-парке, Чикаго. Ф.Л. Райт. 1906

Фотография © Андрей Бархин


В своих работах Салливан еще в 1890-е годы предлагает тему уплощенного фантазийного барельефа, как украшения межоконного медальона и входного портала. [14] Таковы были постройки мастера в Сент-Луисе (1891), Чикаго (1893), Баффало (1894), Нью-Йорке (1899) и др. Работая с фасадами многоэтажных офисных зданий, именно Салливан начинает использовать контраст декоративных акцентов и аскезы, импоста и уплощенного рельефа, и так будут решены и небоскребы ар-деко. Их декоративная палитра включала в себя неоархаические мотивы и фантазию – геометрическую, технократическую, как у Райта, и флористичную, ориенталистическую, как у Салливана. Однако оба мастера опирались на свой талант рисовальщика, выдумку, а также архаическое, ориенталистское наследие. И именно эта двойственность декоративного оформления, работа на стыке стилизации и новации, передалась в 1920-1930-е от Салливана и Райта стилю небоскребов.

Небоскребы ар-деко были созданы, можно сказать, в «стиле выставки 1925 года», однако их детали производят отчетливое впечатление нарисованных самостоятельно, талантливо. За ними чувствуется мощная культура, массированный эксперимент, выдающий уже только стилистически точные решения. Стиль выставки был воспринят через призму собственного наследия. И если для Парижа межвоенной эпохи «стиль 1925 года» был исключением, то в США он был отчетливо национален, получив здесь свое наиболее яркое воплощение. Небоскребы ар-деко стали для США своеобразным «возрождением» собственной архаики, пирамид Ацтеков и Майя, диалогом с пионерами нового стиля – Салливаном и Райтом, и именно поэтому «стиль 1925 года» приобрел столь широкую популярность в городах Америки.

Литература

  1. Бархин А.Д. «Амстердам 1920-х в стилевой эволюции ар-деко» // Капитель, № 1 (23), 2013 – С. 78-83.
  2. Васильев Н.Ю., Евстратова М.В., Овсянникова Е.Б., Панин О.А. Архитектура авангарда Москвы 1920-1930-х. Справочник-путеводитель. — М.: С. Э. Гордеев, 2011. – 480 с.
  3. Гольдштейн А.Ф. Фрэнк Ллойд Райт. – Москва, 1973.
  4. Зуева П.П. Американский небоскрёб / Искусство. Первое сентября, М.: 2011, № 12. – С. 5-7
  5. Малинина Т.Г. История и современные проблемы изучения стиля ар деко. // Искусство эпохи модернизма. Стиль ар-деко. 1910-1940 / Сборник статей по материалам научной конференции НИИ РАХ. Отв. ред. Т.Г. Малинина. М.:Пинакотека. 2009. – С.12-28
  6. Овсянникова Е.Б. Влияние экспрессионизма на архитектуру 1930-х годов. / Овсянникова Е.Б., Туканов М.А./ Русский авангард 1910-1920-х годов и проблема экспрессионизма / Под ред. Г.Ф.Коваленко. – М.: Наука, 2003. С. 387-406
  7. Петухов А.В. Ар деко и искусство Франции первой четверти XX века БуксМАрт, 2016. – 312 с.
  8. Филичева Н.В. Стиль Ар Деко: проблема интерпретации в контексте культуры ХХ века. Вестник Ленинградского государственного университета им. А.С. Пушкина, 2010 – 2 (2), 202-210.
  9. Хайт В.Л. «Фрэнк Ллойд Райт – архитектор и человек на все времена» // Об архитектуре, её истории и проблемах. Сборник научных статей/Предисл. А.П. Кудрявцева. – М.: Едиториал УРСС, 2003. – С. 261-274.
  10. Хилльер Б. Стиль Ар Деко / Хилльер Б. Эскритт С. – М.: Искусство – XXI век, 2005 – 240 с.
  11. Bayer P. Art Deco Architecture. London: Thames & Hudson Ltd, 1992. – 224 с.
  12. Bouillon J. P. Art Deco 1903-1940 – NY.: Rizzoli, 1989 – 270 с.
  13. Frank Lloyd Wright on Architecture Selected: Selected writings. 1894-1940 / Ed. by Frederick Gutheim. New York: Duell, Sloan and Pearce, 1941
  14. Holliday K. E. Ralph Walker: Architect of the Century. – Rizzoli, 2012 – 159 с.
  15. Secrest M. Frank Lloyd Wright: A Biography – University of Chicago Press, 1998
  
[1] Рубежным для нью-йоркской архитектуры стало возведение в 1915 г. рекордного по площади офисов здания Эквитабл билдинг. Уже в 1916 г. будет принят закон о зонировании, который, как поясняет П.П. Зуева, допускал, чтобы здания были сколь угодно высокими, начиная с сечения башни, равного четверти площади участка, и требовал делать отступ, начиная с отметки в 45-60 м, то есть в полторы ширины улицы. Впоследствии подобные законы о зонировании были выпущены и в других городах США. [4, С. 6]
[2] Эпоха ар-деко осознавала свои первоистоки, так павильон «храм Майя», выстроенный для Всемирной выставки «Век прогресса» в Чикаго (1933), стал ответом павильону «Ангкор» на Международной колониальной выставке в Париже (1931). Одним из первых примеров этого интереса стал павильон «храм Ацтеков» на Всемирной выставке в Чикаго (1893).
[3] Как указывает П. Баер, революция в Мексике 1910 г способствовала интенсивному изучению монументов доколумбовой Америки, их стиль оказался не просто удивительным, но новым – как говорили «индейцы были первыми кубистами». [11, С. 16]
[4] Как отмечает К. Холлидей, плоскостные рельефы Барклай-Везье билдинг были выполнены еще до начала выставки 1925 г. Сам же Р.Уалкер указывал в качестве источников римскую античность и работы Л. Салливана. [14, С. 50]
[5] Как указывает Т.Г. Малинина, термин «ар-деко» возник в 1966 г. на волне интереса к искусству межвоенного времени и в связи с экспозицией, посвященной 40-летнему юбилею выставки в Париже (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). Само же сокращение «ар-деко» (Arts Deco) было употреблено впервые в статьях Ле Корбюзье 1920-х вначале в ироничном, критическом смысле. [5, С. 27; 8, С. 206]
[6] Подробнее см. статью автора [1, С. 78-83]
[7] В 1910-е Райта создает целую серию проектов близких ар-деко – это, в том числе, ребристый небоскреб Колл билдинг для Сан Франциско (1912), проекты библиотеки Карнеги в Оттаве (1913), а также театра Алин Барнсдел (1918) и Мерчендайзинг билдинг (1922) в Лос-Анжелесе и др. В стилистике раннего ар-деко были осуществлены – Ларкин билдинг в Баффало (1904, не сохр.), Бок хаус в Милуоки (1916) и Холлихок хаус в Лос-Анжелесе (1919-1922).
[8] Впервые с японской культурой Ф.Л. Райт (1867-1959) знакомится на Всемирной выставке в Чикаго (1893). В 1905 г. Райт предпринимает путешествие в Японию (первое из целой серии) и начинает коллекционировать японские гравюры. В Токио он проектирует в Токио отель «Империал» (1919-1923, не сохр.) и виллу Т. Ямамура (1918-1924). И именно из японской архитектуры Райт, как представляется, воспринимает и эстетику сильно вынесенных карнизов и скатов кровли, формирующих образ и силуэт «домов прерий», и цветовые решения интерьеров, например, в Юнити темпл и Роби хаус.
[9] Отчетливо ощутимо влияние Райта и в знаковом образце европейского авангарда – здании ратуши в Хильверсуме (В. Дудок, 1928), воплотившим своего рода укрупненный образ Роби хауса (1908). Заметно влияние стиля Райта и в работах О. Перре, витражи Роби хауса узнаваемы в интерьере церкви Нотр Дам де Ренси (1922), сильно вынесенный, упрощенный карниз церкви Юнити темпл «завершает» фасад театра на Елисейских полях (1913).
[10] Стримлайн принято рассматривать в качестве одного из течений эпохи ар-деко. И к числу его редких отечественных примеров исследователи относят выстроенное в Москве здание Даниловского универмага (Г.К. Олтаржевский, 1936). Как представляется, это был ответ зданию Мосс хаус в Берлине (Э.Мендельсон, 1923). Горизонталями карнизов и рамок было решено и здание Наркомзема (А.В. Щусев, 1933). Таким образом, в архитектуре первые примеры ребристого стиля и стримлайна возникают еще до аналогичных форм в автомобильном дизайне. Подробнее о стилевых приемах архитектуры стримлайна, см. [2, С. 29; 6, С. 389]
[11] Наследие Ацтеков и Майя было доступно Райту и по графике Ф. Казервуда, в 1840-е впервые исследовавшему и зарисовавшему руины храмов доколумбовой Америки, и известно по собственным впечатлениям – от «храма Ацтеков» на Всемирной выставке 1893 в Чикаго (где мастерская Салливана возводила павильон «Транспорт») и от специальной экспозиции с макетами и фото храмов Майя на Панамо-Калифорнийской выставке в Сан-Диего, которую мастер посетил в 1915 году.
[12] Впервые с «текстильными блоками» Райт работает еще в 1910-е, так были решены – Мидвей Гарденс (Чикаго, 1914, не сохр.) и складские помещения А. Германа (Ричленд Сентр, 1915). В Лос-Анжелесе в этом стиле Райт осуществляет серию особняков – Сторер хаус (1923), Миллард хаус (1923), Фриман хаус (1923) и Еннис хаус (1924). Шедевром Райта стала вилла Холлихок хаус (1919-22). Названная в честь цветка Штокрозы (по англ. Hollyhock), она была украшена разнообразным геометризованным декором, одновременно и напоминающим это растение, и технократическим.
[13] Поясним, в 1900-1910-е работы Райта действительно опередили время – и по архитектурной графике, и по пластике и композиции объемов. Однако в конце 1920-х, когда архитектура ар-деко достигла своего расцвета, Райт оказался не востребован. Более того, в то время как в работах мастера было заметно некое сближение фантазийно-геометризованной пластики его особняков с откровенной неоархаической, мезоамериканской стилизацией, в Европе и СССР уже шло зарождение эстетики авангарда. И на рубеже 1920-30-х архитектура Райта, парадоксальным образом, оказалась уже не актуальна ни в возводимых в классике столицах – Вашингтоне и Москве, ни в творческих лабораториях ВХУТЕМАСа и Баухауза.
[14] Райт унаследовал от Салливана и мышление уплощенными рельефами, паттернами, и сильно вынесенные карнизы прямоугольного очертания (как в Юнити темпл). Отличием же эпохи ар-деко 1920-30-х стало завершение зданий не карнизами, но уплощенными профилями и деталями, аттиками и неоархаическими уступами.

 

Отель Мидланд – шедевр архитектуры и дизайна на английском побережье. • Великобритания • Европа • Страны

 Британцы – островная «раса». Неудивительно, что любовь к морю у них в крови. Путешествие на побережье всегда побуждает их сердце биться немного быстрее от предчувствия встречи с невероятно красивой и мощной силой природы. Невозможно сопротивляться тому восторгу, который вызывает любование широкими просторами моря. В прошлые времена люди приезжали на побережье, посидеть в шезлонге рядом с берегом или на травянистом холмике, чтобы насладиться феерией волн и криками чаек. Сегодня английское побережье представляет гигантский парк развлечений. Если раньше в приморских городах гастрономическая деятельность ограничивалась моллюсками, мидиями, жаренными рыбой и картофелем, то в настоящее время главную роль играют модные рестораны, некоторые награжденные звездами Мишлен. Где когда-то находились простые заведения в стиле «бэд энд брекфест» теперь стоят очаровательные бутик-отели.  
 

С начала тридцатых годов двадцатого века на английском побережье стали появляться поразительно современные для своего времени отели. Их количество было ограничено, возможно, потому что большинство состоятельных людей все ещё предпочитали проводить свои каникулы в теплых странах, но частично также из-за того, что многие все ещё выбирали по время отдыха на побережье проживание в традиционных стилях, например в пляжных домиках (или кабинках). Хотя честно сказать истоки отеля восходят к Великой депрессии, когда многие люди уже не могли позволить себе «иностранные каникулы». Это и вызвало рождение новой волны «отдыха на английском побережье», однако с предъявлением более сложных требований.

Отель «Мидланд» в городе Моркам был одним из первых. Его построили на берегу залива Моркам для железнодорожной компании LMS (Лондон, Мидланд, Шотландия) по проекту Оливера Хилла в 1933 году, в стиле стримлайн («обтекаемый модерн»), направления в Ар-деко. Архитектурно он является самым важным зданием в Моркаме и одним из самых значительных зданий ар-деко в стране. При открытии «Мидланд» получил прекрасные отзывы критики, а его радикальный дизайн признан шедевром модернизма. Название «Midland» принадлежало предыдущему отелю, снесенному, чтобы освободить место для нового.

 Изогнутость в его дизайне повторяют линии побережья, выпуклая линия в сторону моря и вогнутая по направлению к берегу. Трехэтажное здание с большими, широкими балконами, с которых открываются великолепные виды на море. С морской стороны находится большая круглая башня с входом и винтовой лестницей. На вершине фасада башни-входа два каменных морских конька в стиле Ар-деко, работа скульптора Эрика Гилла, которых можно рассмотреть с террасы на крыше отеля.

Несмотря на то, что здание своим внешним видом напоминает монолитное бетонное сооружение, на самом деле оно было построено посредством кирпичной кладки из материала сноукрит (snowcrete), состоящего из белого цемента и карборунда. Стены здания были электрически полированы, чтобы создать поверхность, напоминающую мрамор. Основное окно не имело наличников, а было обработано смесью толченого синего стекла и карборунда. Карнизные софиты и нижние части балконов застеклены сине-зеленым цветом. Ночью здание, освещаемое скрытым освещением, смотрелось великолепно. Сверкающее на солнце оно возвышалось над окружающим ландшафтом как большой белый корабль.

Оливер Хилл был очень талантливым архитектором. Надо сказать, что он не увлекался модернизмом как своего рода наукой, что делали многие его современники. Он рассматривал его только как стиль, который применим в проектировании для удовлетворения желания клиента. В дизайне отеля он использовал элементы неогеоргианского и тюдоровского стилей, которые были популярны в то время, в сочетание с современными акцентами.

Что отличало «Мидланд» от других отелей того времени? Причина заключалась в целостном подходе Хилла к проекту. Архитектор считал, что внешний дизайн должен быть тесно связан с интерьерами, поэтому ради этой цели он и взял под свой контроль всё. Цветовые схемы, декорации, мебель, произведения искусства. Интерьеры отеля были столь же замечательны, как и экстерьер. Хилл пригласил поработать  некоторых самых уважаемых художников.

Как только гости проходили через вращающиеся двери в главный вход под винтовой лестницей, с левой стороны, они могли увидеть каменный рельеф скульптора Эрика Гилла, изображающий «Навсикаю приветствующую Одиссея». С правой стороны — декоративная металлическая решётка, застекленная, которая образовывала вход в кафе. Пол был из полированного мрамора, инкрустированного мозаикой, представлявшей рябь на море и «символ отеля» — морского конька. Пространства обставлены стульями изогнутых форм, созданными Хиллом, пол при входе покрывали прекрасные ковры ручной работы Ар-деко, работа известного дизайнера по текстилю Марион Дорн. Почти пять метров в диаметре они показали рисунки волн (Дорн также была ответственной за дизайн мозаики морского конька на полу посередине холла).

В целом все выглядело очень эффектно, современно и сложно. Эрик Грилл разработал на вершине лестницы медальон «Нептун и Тритон» с надписью строки из Вордсвота: «И дул Тритон в свой перевитый рог!». Раскрашивал работу его зять Денис Теджетмэйе. Оба они также создали  живописную карту Северо-западной Англии. 

В кафе в стиле ротонда, расположенном на северной стороне отеля, работал другой известный художник — Эрик Равилиос. С правой стороны кафе застекленное, с видом на море, с левой стороны – стены расписаны на тему приморской жизни в Моркаме. Из-за недостаточной подготовительной работы фреска, после создания, в течение нескольких лет стала шелушиться. Её реставрировали в 1989 году для эпизодов в сериале «Пуаро» с Дэвидом Суше в главной роли. Обстановка в отеле была изысканной и из лучших материалов. Изначально гостиница ориентировалась на верхний сегмент рынка. И сразу же после его открытия в июле 1933 года Мидланд стал местом для проживания состоятельных людей со всего севера Англии и даже дальше.

Успех отеля прервало начало Второй мировой войны, когда он был реквизирован правительством и превращен в госпиталь Королевских военно-воздушных сил Великобритании (Royal Air Force). В 1946 году его возвратили железнодорожной компании. Однако после национализации Совет новых британских железных дорог принял решение продать отель, и в 1952 году он был куплен Льюисом Ходжсоном из Болтон Абби. На первых порах деятельность «Мидланд» протекала успешно, но постепенно он начал терять свою привлекательность, соответственно и богатых клиентов. В 1960 году его продали пивоваренной компании Scottish & Newcastle. С этого времени начинается грустный этап в истории замечательного здания, когда оно переходило из рук в руки, немного что делалось для его восстановления. К 2000 годам оно находилось в самом удручающем состоянии, фактически под угрозой сноса. Во многом благодаря группе, созданной заинтересованными местными жителями, его удалось сохранить.

В начале 2003 года отель приобрела компания Urban Splash, базирующаяся в Манчестере. Реставрация, первоначально запланированная на 22 месяцев, оказалась сложнее, чем предполагалось, и, в конечном счете, растянулась на три года, прежде чем проект завершился.

В настоящее время в отремонтированном отеле имеется 44 номера, включая шесть люксов (добавили на крыше). Комнаты номеров ультрасовременные, прекрасно декорированные, безусловно, оснащенные всеми современными удобствами. Были произведены изменения на первом этаже, расширены пространства, чтобы спроектировать банкетные и конференц-залы. Старая гостиная превратилась в более интересное место, где приятно насладиться послеобеденным чаем или полюбоваться закатом солнца над заливом Моркам. Важно отметить, что все оригинальные произведения искусства кропотливо восстановили. Сегодня отель «Мидланд» с надеждой смотрит в светлое будущее.
 

Ар деко в интерьере, стиль ар деко в интерьере с фотографиями

Стиль ар деко стал прямым наследником стиля «модерн», возникшего в конце ХIХ века в Европе, уставшей от строгих классических и пышных барочных форм. Стремление к функциональности, эргономичности и здравому смыслу породило новую величественную и сдержанную эстетику ар деко

Ар деко: история триумфа

Впервые термин «ар деко» прозвучал в 1925 году. Точнее, не термин, а краткая версия длинного названия Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes или «Международная выставка современных декоративных и индустриальных искусств» в Париже. Нельзя сказать, что стиль ар деко был рожден в Париже, но свое название он получил именно здесь. Именно в Париже он был замечен и осознан как новый исторически-культурный феномен. После выставки мода на ар деко охватила весь мир. Свой вклад в эстетику ар деко внесли европейские дизайнеры, такие как Жан-Эмиль Рульманн (мебель) и Айлин Грей (ширмы), Эдгар Брандт (изделия из кованого металла) и Жан Дюнан (инкрустированный эмалью металл). Эпоха ар деко породила и всемирно известные бренды, звездами которых стали Рене Лалик и Картье.

Однако наибольшее развитие стиль получил в США. К 30-м годам XX столетия европейское ар деко преобразилось в неоклассицим и неоампир – излюбленные стили гитлеровской Германии. В Америка же в это время возник стиль «стримлайн модерн». Термин streamline взят из аэродинамики и переводится как «линия обтекания», отсюда в «стримлайн модерне» читаются очертания предметов с выраженной линией обтекания, например, самолетов и револьверных пуль.

Ар деко в интерьере

Стиль ар деко вобрал в себя все самое жизнеспособное, новое и яркое. От модерна он позаимствовал растительные формы и орнаменты, отказавшись при этом от его декоративности и обратившись к простым, геометрическим формам. Важную роль в развитии ар деко сыграли новые технологии. Новый стиль прибег к нехарактерным для интерьерного дизайна материалам: стекло, металл и камень. В интерьерах ар деко появились необычные сочетания никеля, алюминия, витражей, с цветным матовым и прозрачным стеклом, а также редких пород камня – оникса, мрамора, гранита. Стиль включил в свою эстетику и технические новшества, такие как лифт и телефон.

В ответ на задачи, поставленные самим временем, ар деко воплотил новую эстетику в оформлении огромных офисных пространств, мюзик-холлов, кинотеатров, океанских лайнеров.

Так же ар деко сумел конвертировать наследие колониальных культур, чрезвычайно обогативших эстетику стиля. Интересу к эстетическому наследию в значительной мере способствовали и успехи археологии: были найдены развалины Трои и Кросский дворец (столица Древней Критской империи). Так в ар деко вошла античность, архитекторы и дизайнеры широко использовали в своих проектах элементы эстетики эпохи фараонов.

Ар деко ввел моду и на экзотические материалы в интерьере: эбеновое дерево, зебрано, венге. В качестве отделочных материалов стали применяться леопардовые шкуры, кожи крокодила, ската и ящериц.

деко — это… Что такое Ар-деко?

Арт-деко́ [1] (фр. art déco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г., Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах арт-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Обзор

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «арт-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление арт-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne — американизированное ответвление арт-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля арт-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей (Eileen Gray), изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом Art Deco в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями Art déco в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников, например:

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Ар-деко был стилем роскошным, и считается, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональность и скорость при движении или полете). В «Стримлайн Модерн» мы находим все большее влияние промышленных штамповочных, а также аэродинамических технологий, которые брали начало от развития науки и предметов массового производства, приводя к тому, что в произведениях этого стиля появились очертания самолетов или револьверных пуль — тех предметов, для которых так важны линии обтекания. Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Airflow» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники. В архитектуре признаками этого стиля являются скругленные углы, применявшиеся преимущественно для зданий на автомобильных развязках.

Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

Ар-деко и архитектура СССР

Ар-деко оказал заметное влияние на архитектуру 30-х годов, явившись, наряду с постконструктивизмом и неоклассицизмом, одним из источников сталинской архитектуры. С сильным влиянием этого стиля был построен, ряд станций Московского метрополитена: первая очередь (Сокольническая линия), несколько станций второй очереди (Замоскворецкая линия, например, станция «Аэропорт»).

Известные художники и дизайнеры ар-деко

Лев Бакст. Эскиз декорации к трагедии «Федра», II акт, «покои Федры» (1923).
В свой парижский период Бакст работал в стиле Ар Деко.

Известные архитекторы ар-деко

Примечания

Ссылки

Стиль ар-деко, часть I — Интерьер как он есть — ЖЖ

В одном из журналов по архитектуре его назвали в описании новейших интерьеров «оригинальным и нерастиражированным стилем ар-деко». На самом деле стиль переживает уже не первое возрождение. Т.н. «последний роскошный стиль европейских столиц» снова в моде. В свое время он подарил людям иллюзию красивой и беззаботной жизни, наполненной прекрасными вещами. Наверное, именно поэтому интерес к ар-деко не утихает до сих пор. Конструктивизм архитектуры Ле Корбюзье, изысканная мебель Рульмана, красочные костюмы Поля Пуаре, элегантные аксессуары Картье и Бушерона, минимализм дизайна школы Баухауза, небоскребы Америки, обтекаемый, агрессивный дизайн машин – все это считают приметами одного стиля, именуемого эпохой ар-деко.

Но обо всем по порядку, начиная с истории появления этого стиля.

АР-ДЕКО И АР-НУВО

Стили ар нуво и ар-деко часто путают. Изящная чувственность стиля ар нуво царила в искусстве 20 лет, начиная с 1890-х гг. до 1-й мировой войны 1914 г., а стиль ар-деко датируется 1914 — 1938 годами. Ар нуво черпал свои формы в живой природе, вдохновляясь капризными силуэтами и контурами растений, цветов, насекомых, птиц.

Война вытеснила эту чувственность. В искусстве стали использоваться новые технологии и новые материалы, мягкая линеарность уступила место стремительной геометрии. Стиль ар-деко не всегда было принято обозначать как самостоятельный. Его истоки естественным образом трансформировались из стиля ар нуво. Стиль отчасти продолжил традиции ар нуво, вместе с тем на него оказали влияние кубизм, народное американское искусство и дизайн бурно развивавшегося в то время машино- и самолетостроения.

Законы построения жилого пространства в ар-деко следуют тем же принципам, что и обстановка дома в стиле модерн. Его особенностью было и остается наличие композиционного центра интерьера. Как правило, эту роль выполняли гостиная и рабочий кабинет, позволявшие задействовать множество предметов и аксессуаров, на первый взгляд не обладающих особой функциональной значимостью. С одной стороны, ар-деко «ратовал» за очищение от декоративности «растительного» модерна, с другой – конкурировал с эстетикой целесообразности и строгих утилитарных форм.

Для ар-деко, как и для стиля модерн в целом, характерны сложные переходы с этажа на этаж и винтовые лестницы, наличие нескольких уровней в одном и том же помещении и обнаруживаемые внезапно потайные комнаты, замысловатой формы оконные переплеты и обязательно изломанная крыша. Что уж говорить про зимний сад в доме, который считался едва ли не обязательным элементом, или просторную застекленную террасу?

НОВЫЙ СТИЛЬ

Ар-деко, варианты: ар деко, арт деко, арт-деко (фр. art déco букв. «декоративное искусство», название происходит от Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (Париж, 1925 г., где демонстрировались последние достижения архитектуры и прикладного искусства) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи.

Термин «ар-деко» возник спустя 30 лет после того, как сам этот стиль захватил Европу и Америку. До шестидесятых об ар-деко во Франции говорится как о «ретро», в Америке оно определяется как «джаз модерн» или «стримлайн модерн». В свое время он назывался — современный стиль, «обтекаемый модерн», шведский, голландский, итальянский, чешский, английский, позднее «стиль Риц». Через несколько лет популярность Ар-деко дошла до Голливуда и появился «стиль звезд», так произошло всемирное признание стиля. Считается, что термин «ар-деко» придумала Hilary Gelson, написавшая для The Times статью, озаглавленную «Ар-деко» и вышедшую в свет 2 ноября 1966 года.

Представлял собой синтез модерна и неоклассицизма. Данное направление пришло на смену конструктивизму. В Европе ар-деко становится популярным вместе с ростом послевоенного строительства, охватывает целые кварталы, где живут состоятельные люди. Стиль возник и развивался в трудные годы «потерянного поколения» между двумя мировыми войнами: времени духовной растерянности, пустоты первых послевоенных лет, предчувствия ужасов 2-й мировой войны, разочарования в современной цивилизации и утраты эстетических идеалов (вспомним произведения Э. Хэмингуэя, У. Фолкнера, Э. М. Ремарка). Альтернативой этим настроениям и стал новый стиль, призванный создавать иллюзию благополучия и «роскошной жизни». Это был последний «шикарный стиль» европейских столиц, сознательно ориентированный в прошлое.

В то же время после 1-й мировой войны подъем индустрии, развитие науки и техники изменили темп жизни, ее стиль, материальное окружение и в целом мироощущение человека. Немыслимая до этого скорость машин, поездов, строительство мощных заводов, появление самолетов, радиоприемников, кинематографа – все это не могло не действовать на сознание художника, рождало новую эстетику промышленного века. Эти годы отмечены необычайной творческой активностью, смелыми новаторскими проектами в области дизайна, поисками новой художественной формы. Отсюда и противоречивые сочетания прогрессивных и классических форм в рамках одного стиля. Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

В Италии и Германии элементы стиля ар-деко, соединяясь с формами неоклассицизма, переросли в архитектуру «нового ампира» — стиля третьего Рейха. Ар-деко оказал влияние на художников французского стекольного завода Баккара и английской керамической мастерской Даултон. В России ар-деко проявил себя в работах скульпторов Н. Данько, И. Ефимова, В. Мухиной. «Советский ар-деко» представляли произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени обобщенностью и геометризацией формы, а также пышная декоративность набивных ситцевых тканей. В более поздних формах стиль сближается с геометрическим конструктивизмом. Правда в СССР это не стало течением в архитектуре, но все же некоторые образцы позднего ар-деко имеются — многие станции метро в Москве и Санкт-Петербурге выполнены именно в нем.

Стиль проявился в архитектуре коммерческих зданий, мест развлечений и отдыха, например, кинотеатрах и универмагах. Затем он стремительно распространился за море в столицы колоний, а также США. Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения 2-й мировой войны.

ОТЛИЧИТЕЛЬНЫЕ ЧЕРТЫ

Ар-деко объединил настолько разные явления в искусстве межвоенных лет, что не всегда просто свести их воедино. Потому в среде искусствоведов этот термин окончательно утвердился только в последней четверти ХХ в. Это единственный из стилей, у которого нет четких границ, его создатели черпали свое вдохновение из разных источников. Поль Ириб и Жак-Эмиль Рульманн по-новому увидели стиль Людовика XVI, Жюль Леле «приспосабливал» под европейские вкусы искусство Востока, а для Андре Гру моделью служила мебель эпохи Реставрации. Корбюзье написал об ар-деко: «Его создатели строят шикарный дворец, чтобы показать, как цветочный бутон, украшавший некогда ручку зонтика, красуется теперь на спинке кресла». Стиль представлял широкий диапазон всех возможных форм ретро и был открыт для индивидуальных решений. Здесь можно встретить элементы ампира, этнические африканские и египетские мотивы, соединение находок живописцев-постимпрессионистов, экспрессионистов, сюрреалистов с формами восточного, японского, китайского искусства. Стиль ориентирован на индивидуальное, отрицающее все поточное и соединяющее несоединимое.

Ар-деко вобрал в себя излюбленные темы и мотивы ар нуво: извилистые линии, формы морской волны, раковины, драконов и павлинов, а также лебединые шеи, изображение фантастических существ, стрекоз и бабочек. Вместе с тем не исключалось использование геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей «чистого» цвета.

Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы. Для стиля характерно использование натуральных материалов. Мебель обтекаемых силуэтов изготовлена из пальмового дерева проко, эбена, палисандра и многослойной фанеры. Для отделки используются бамбук, слоновая кость, перламутр, кокос. Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, серебро, эмаль, инкрустации по дереву, экзотические виды кожи – ящерицы, акулы, ската, крокодила и зебры. Декору была отдана почти автономная роль. Декор был крайне персонализированным (у каждой вещи — свое лицо) и насыщенным, что часто создавало «перенаселенность» предметов в замкнутом пространстве.

Мебель украшалась орнаментом из треугольников, прямых линий, зигзагов, декоративными элементами в виде солнц. Один из самых популярных узоров — египетский полукруг, символизирующий восходящее солнце. Подлокотники кресел составляют единую изогнутую линию с передними ножками, декорируются вставками из меди и бронзы. Кровати украшаются египетскими орнаментами (мотив солнца), вместо столбиков изголовья – статуэтки богов. Каждая вещь созданная в этом стиле превращается в произведение искусства.

Для ар-деко «роскошь» — это не только дорогие материалы, но и визуальное богатство: яркие, насыщенные цвета. Как правило, используется более чем 3 цвета, и это выглядит целостно и неожиданно красиво. На фоне шахматного контраста черного и белого — горящие вкрапления красного и золотого, хромированные предметы интерьера.

Интерьеры ар-деко выглядят не как композиция, а как подборка отдельных предметов, «стильных вещей». Особое место в интерьере занимают мелкие предметы. Скульптуры кабинетного формата, изысканные статуэтки героев античности, танцовщиков, спортсменов. Создаются различные эстетические модели из функциональных бытовых вещей: ваз, часов, светильников, мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно, многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника».

В отличие от классической линии модерна, для которой был характерен главным образом флористический декор, ар-деко тяготел к линейным геометрическим формам, которые максимально соответствовали новой эстетике архитектуры и промышленных технологий того времени. С одной стороны, ар-деко «ратовал» за очищение интерьера от декоративности «растительного» модерна, с другой – открыто конкурировал с конструктивизмом, с его эстетикой целесообразности и строгих утилитарных форм.

Для этого стиля традиционными считаются изображения окружностей и других геометрических фигур. Поэтому для напольного покрытия стал идеальным геометрический орнамент из прямых линий с мотивами треугольника и круга.

ФРАНЦИЯ

В 1925 г. в Париже состоялась Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств, после нее термин ар-деко стал общеупотребительным. Одними из первых фактуру древесины подчеркнули при помощи перламутра и слоновой кости отец и сын Жайо, чьи предметы были представлены в пяти павильонах Парижской выставки. Тенденция ввода новых материалов — металла и пластмассы — наблюдается в работах семьи уже после 1925 г.

Во Франции проектировщики мебели в большинстве продолжали следовать традициям создания декоративных предметов, используя технику маркетри и другие виды инкрустации из экзотических пород дерева. Если ар нуво был последним проявлением декаданса, то ар-деко говорил о новых временах. В геометрических формах и стремительных линиях он отражал (в основном в изделиях массового производства) прогресс в развитии новых технологий. Традиционные материалы — дерево, стекло, глина — заменялись новыми: прокатным металлом, стальными трубками, зеркальным стеклом, бетоном, клееной фанерой, полудрагоценными камнями. Вершиной ар-деко в дизайне мебели явилось творчество Жака Эмиля Рульмана, в работах которого самые изысканные материалы сочетались с первоклассным мастерством. Функционализм и рационализм в мебели предвоенного периода оставались ведущими направлениями в Европе. Стиль характерен для интерьеров Деламара, архитектурно-дизайнерских разработок Малле-Стевенса, ювелирных изделий фирмы «Картье».

В 20–30-х годах Париж был центром мира керамического искусства. Французскую керамику отличало высокое качество изделий, большая декоративность, стилизованный рисунок. Произведения отдельных мастеров, студий, продукция фабрик внешне вылились в ослепительный поток керамических изделий всех мыслимых цветов, текстур, форм и стилей. При этом обращает на себя внимание большое количество анималистической пластики и декора в керамике этого периода. Многие мастера вдохновлялись мощью, объемными диспропорциями архаического искусства. Анималистическая тема предполагала воплощение в материале различных состояний: стремительного движения, мерного шествия или покоя. Недаром очень популярны в эпоху ар-деко скульптуры львов, бизонов, медведей, пантер. В то же время создаются удивительно изысканные, лиричные образы оленей, ланей, птиц.

Эталоном ар-деко в 1920-е годы были интерьеры первоклассных отелей, дорогих ресторанов и прочих респектабельных общественных мест, в т.ч. дорогой парижский отель Ritz (www.ritzparis.com) на Вандомской площади, отчего стиль именовали еще и «стилем Риц». Это о нем Хемингуэй говорил, что когда представлял себе сцены райской жизни, они всегда происходили именно в этом отеле. В книге «Праздник всегда с тобой» он писал: «Я забираюсь в одну из тех огромных кроватей, которые можно найти в Рице, и голова моя покоится на подушках размером с Цеппелин»
Привожу несколько интерьеров отеля, правда, насколько он сохранил свою идентичность после реставрации Мохаммеда Аль-Файеда, не могу сказать… Нашла только один старый вид отеля (картинка кликабельна), остальное все новое:

Еще несколько интерьеров «Ритца» в виде кликабельных превью:

И просто старая фотографии отеля, а также вид на президентский люкс — один из самых дорогих номеров в мире:

Рене Лалик (1860-1945 гг.), один из центральных мастеров 20-30-х годов по стеклу и ювелирным изделиям, получил признание уже на Всемирной выставке в Париже в 1900 г. К 1925 г. его творчество эволюционировало от причудливых изящных форм к более простым геометрическим, с референцией на индейские орнаменты. Его украшения в форме павлинов, морских коньков, стрекоз и мышей, выполнялись из камней со стеклом, эмали и даже пластика. Отдельные произведения были выполнены в десяти цветах и украшены эмалью.

АРХИТЕКТУРА

Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно.

Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг.

В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, появление и массовое производство которых совпало по времени с расцветом ар-деко, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Даже на декоративных плитках того времени изображались лайнеры:

Нельзя говорить об ар-деко в проектировании как о стиле в полном смысле слова, однако легко заметить, что архитектура 1920-30-х гг. использует достаточно характерный для этой манеры набор приемов: тонкая линия, ведущая свой род от модерна, но более жестко и схематично очерчивающая растительные формы, придающая им угловатость. Здания простых и строгих очертаний, оштукатуренные и покрашенные в светлые цвета, украшались фризами, полосами, изобразительными вставками, выполненными из цемента или песчаника и образующими ритмические композиции.

США

На американцев выставка в Париже 1925 г. произвела сильнейшее впечатление, и владельцы крупных универсальных магазинов «Мейсиз» и «Лорд и Тейлор» решили стимулировать спрос на современную мебель с помощью публичных экспозиций. Их шоу имели в США большой успех и спровоцировали в стране, и в первую очередь в Голливуде, моду на интерпретацию модерна в духе ар-деко. Так родился знаменитый «стиль звезд» 1930-40-х гг. Шуточный рисунок на тему:

Стиль получил в США необыкновенный расцвет из-за качества и количества созданных произведений и того неповторимого отпечатка, который они наложили на городской пейзаж (только в одном Манхэттене насчитывается около 150 небоскребов, возведенных в течение одного десятилетия).

Ар-деко обрел за океаном иное лицо, обратившись к местной архитектурной традиции, от самых архаических ее образов до Чикагской школы, и стал символическим выражением эмансипации от Европы и высокого уровня технологического прогресса Нового мира.

Сразу после посещения парижской выставки несколько ведущих членов Лиги архитекторов Нью-Йорка подписали документ о необходимости архитектуры, точно соответствующей требованиям их страны, но обращающейся к европейскому опыту в поисках технических и стилистических решений. Особенно характерен для ар-деко Крайслер Билдинг, построенный между 1928 и 1930 г. архитектором Уильямом ван Аленом как американский вариант Эйфелевой башни: его очертания стройны и динамичны, высокое и компактное основание постепенно уменьшается и тянется вверх, заканчиваясь башней с шестью полукруглыми ярусами и стальной иглой над ними. Это была передовая с точки зрения технологии конструкция, которая в то же время не отказывается от изысканно-элегантной декоративности.

Использование причудливых орнаментальных, металлических решеток, разнообразного декора из облицовочной керамической плитки отличают Шанин Билдинг, созданный Дж. Слоуном и М.Т. Робертсоном в 1929 г. Гостиница «Уолдорф Астория», по проекту Л. Шультце и Дж. Уивера, представляет собой современный вариант храма с большими куполами и является одним из самых выдающихся произведений ар-деко в США. Высочайшее здание Нью-Йорка Эмпайр Стейт Билдинг также построено в этом стиле:

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно и близко примыкало к ар-деко, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональность и скорость при движении или полете).

Это влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий, произрастающих из массового производства. Потому в произведениях этого стиля заметны очертания самолетов или револьверных пуль — предметов, для которых важны линии обтекания.

Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Air-Flo» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники.

Самая популярная мебель стала выглядеть как обтекаемый автомобиль. Эффект обычно достигался довольно простыми средствами: массивные прямоугольные формы покрывались светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком. Плавные силуэты создавались с помощью гнутой фанеры. Ручки делали из бронзы или заменяли их углублениями для пальцев. Популярным было сочетание черного и светлого лака.

Именно такую мебель выбирал Голливуд для съемок интерьеров высшего общества. Такая мебель находилась на печально известном Титанике, подборку интерьеров которого предлагаю здесь:

Интерьеры «Титаника» из фильма

А это настоящая мебель с «Титаника» в наши дни, снятая с борта перед тем трагическим рейсом:

В фильмах того времени видны представительные американские интерьеры 30-х гг. Это рациональный, тяготеющий к графичности так называемый стиль «чикагского кабинета»: мебель и панели из красного дерева с черными лаковыми вставками, солидная кожаная мебель, художественная роспись на тему городских пейзажей Нью-Йорка. Эти интерьеры можно видеть, например и в более позднем сериале о сыщике Ниро Вульфе, который жил как раз в эпоху ар-деко. Обратите внимание на характерную для ар-деко ступенчатость углов стола:

Светильники:

Обивка кресла с рисунком:

Светильник, драпировка занавеси:

Нарочито изломанный рисунок сводов:

Еще пара интерьеров из фильма:

Рисунок галстука Арчи, который, как известно, следил за модой. 🙂

К началу 2-й мировой войны ар-деко в чистом виде сохранился только в Америке, где большинство интерьеров оформлялось в этом стиле.

Кстати, в фильме о Ниро Вульфе также виден отход в сторону от ар-деко:

БАУХАУЗ

Хотя ар-деко был прямым наследником модерна, не забывал он и о классицизме, присматривался к примитивному этническому искусству, учитывал открытия промышленного дизайна. В ар-деко можно выделить два основных направления. Традиционное, для которого важна была красота линий и выразительность дорогих и экзотических материалов с инкрустацией. Модернисты, как представители другого направления ар-деко, применяли достижения индустриальной эры: например, мебель из стальных трубок, что производила фурор — стильно и недорого! Девиз модернистов – «прекрасное в полезном», причем это прекрасное должно быть доступным. Благодаря им в поздних формах стиль сблизился с геометрическим конструктивизмом. Считается, что проектировщики ар-деко — наследники венской архитектурной школы — оказали влияние на формирование программы немецкого Баухауза.

«Стиль звезд» научил человечество ценить эклектику. Ар-деко смешал взятые у модерна цветы с одолженной у конструктивизма геометрией, добавил к ним свою собственную страсть к экзотическим материалам и архаичным культурам и получил формулу роскоши, не потерявшую актуальность до сих пор.

СТИЛЬ ВО ВТОРОЙ ПОЛОВИНЕ ХХ ВЕКА

Взрывы популярности ар-деко спустя полвека (после мебельного аукциона в Париже в ноябре 1972 года, когда цены на предметы этого стиля неожиданно взлетели вверх) и с 1990-х годов, скорее всего, обусловлены усталостью человека от индустриальной неволи, сухих линий минимализма, оставляющих мало пространства для воображения, в то время как ар-деко наиболее ярко демонстрирует соединение искусства, роскоши и технологии.

Привлекательность Ар-деко прежде всего в его эмоционально-образном психологическом содержании. Этот стиль дает возможность человеку эмоционально отгородиться от всепроникающей индустриализации и, несмотря на тотальность научно-технического прогресса, создавать красивый и уютный частный интерьер. Популярность Ар-деко в начале прошлого века вызвана подавляющим воздействием машинного производства, в наши дни растущей глобализации и информатизации этот стиль привлекает своей способностью помочь человеку защититься от шквала прогресса и суеты проблем, особенно в больших городах.

В период нового противоречивого искусства появилась потребность в спокойном и понятном. Как и в прошлом веке, сегодня Ар-деко доступен не каждому. Этот стиль и сейчас позиционируется как стиль, который предпочитают состоятельные люди. Хотя новые технологии производства делают его доступным все большим слоям населения.

Стиль ар-деко вернулся в Европу в 1990-е и стал весьма популярен. Прогресс в развитии новых технологий открыл эру массового производства мебели. Наряду с оформлением частных домов растет число проектов интерьеров отелей, банков. Традиционные материалы в архитектуре и интерьерах заменялись новыми: прокатным металлом, стальными трубками, зеркальным стеклом, бетоном, клееной фанерой, полудрагоценными камнями.

Сейчас этот стиль переживает очередной взрыв своей популярности, вновь обратив на себя внимание дизайнеров и модельеров. Их привлек авангардистский взгляд на роскошь: простота линий, качество материалов, идеальные пропорции, смелые контрасты и яркие цвета этого стиля. Ориентируясь на ар-деко, создаются интерьеры отелей и ресторанов, бутиков, квартир, вновь вошли в моду «ателье художника», «павильон коллекционера». Ар-деко возрождается не только в оформлении интерьеров, но и в ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике.

О том, что такое стиль ар-деко в наши дни, с помощью каких приемов и материалов достигаются его эффекты, расскажу в следующий раз, благо материала по теме более чем достаточно.

ССЫЛКИ

При подготовке материала использовались следующие источники:
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%90%D1%80-%D0%B4%D0%B5%D0%BA%D0%BE
http://www.neopoliscasa.ru/news.phtml?item_id=10482
http://www.trianon.ru/history/id/268/
http://text.uuu.ru/antik/Style/20040512172453Style.html
http://www.masterovoi.ru/art_40.shtml
http://www.kultura-portal.ru/tree_new/antique/article.jsp?number=484&rubric_id=306&pub_id=469553
http://www.dom.999.by/index.php?id=5&id2=232&id3=3472&ses999=ce917c6f1c12a4613d033ebd3386a3b5
http://www.zagorod.spb.ru/articles/1666/
http://vitavet.ru/forum/index.php?showtopic=522&mode=threaded
http://www.sovinterior.ru/stat1.php?n=76&t=24
http://www.2282234.ru/news126.html
http://www.countries.ru/library/twenty/mat.htm
http://www.mnogomebel.ru/articles/detskaja-eto-serezno-20/ar-deko-stil-pokorivshij-mir?&forum_ext=1
http://cih.ru/ae/ae87.html
http://www.antiq.info/glass/6628.html
http://www.azastro.ru/designproject/styles/ardeko/
http://www.salon.ru/article.plx?id=4004&path=dict
http://www.primedesign.ru/links/furn_access/building_articles/650/
http://titanic.pottsoft.com/home/titanic/film_interiors.html
http://www.titanic-titanic.com/titanic_first_class_interiors.shtml
http://www.euronet.nl/users/keesree/palace.htm

Streamline Moderne: причудливый предшественник модерна середины века

Мы предполагаем, что вы любите модерн середины века (мы тоже!), но существует так много разных стилей архитектуры, которые можно найти в эпоху модерна. Streamline Moderne или Art Moderne был стилем ар-деко, который, хотя и заметно отличается, имеет некоторые характеристики с модернистской архитектурой, которой мы так наслаждаемся. Здесь мы взглянем на это захватывающее и дальновидное движение.

Pan Pacific Auditorium в Лос-Анджелесе, 1955 год.Pan Pacific Auditorium открыл свои двери в 1935 году и считается ярким примером архитектуры Streamline Moderne. Вход, изображенный здесь, использовался для фотосессий и фонов для фильмов. спроектирован фирмой Plummer, Wurdeman and Becket в 1935 году. Зрительный зал закрылся в 1972 году, после чего прошел годы забвения и беспорядков. Несмотря на то, что он внесен в Национальный реестр исторических мест, он сгорел в 1989 году. (Фото Боба Д’Оливо/The Enthusiast Network via Getty Images/Getty Images) Арт-деко
Очень декоративный и богато украшенный ар-деко был популярен в 1920-х годах. и 1930-е гг.Богатый стиль был признаком времени. С окончанием Первой мировой войны люди стремились заглянуть в светлое будущее. Этот оптимистичный мир завтрашнего дня появился в 1925 году в виде Международной выставки декоративного и промышленного искусства 1925 года, эталонного события в Париже, где был получен термин для стиля. Однако фраза «ар-деко» была придумана лишь спустя десятилетия, в середине 1960-х годов. Выставка в Париже была пиком увлечения ар-деко. Плакат на дереве Роберта Бонфилса, 1925 год.Изображение предоставлено Музеем Виктории и Альберта.

Переход на обтекаемую форму

По мере приближения Великой депрессии стили снова начали меняться. Роскошь стала казаться ненужной, и архитекторы и дизайнеры обратили внимание на функциональность и эффективность. По мере того, как мир приближался к эпохе машин, дизайн приобретал промышленную форму, которую можно было увидеть во всем: от автомобилей и поездов до коммерческих и жилых зданий и даже бытовой техники. Стиль Streamline Moderne подчеркивал горизонтальность и изогнутые линии и был по существу «обтекаемым» даже в архитектуре для большей аэродинамической эстетики.Движение взяло пример с Баухауза и международных стилей, сосредоточившись на избавлении от ненужного.

Самолеты, поезда и автомобили совершенствовались по мере того, как мир вступал в век машин. Архитектура, мебель и даже предметы домашнего обихода черпали вдохновение в футуристической и аэродинамической эстетике.

Наиболее популярный в 1930-х и 40-х годах стиль Streamline Moderne использовал недорогие и легкодоступные материалы. От блестящих футуристических тостеров до изящно изогнутых точилок для карандашей из бакелита привлекательные дизайны теперь становились доступными для широких масс.

Все еще популярная в 1940-х годах, Уильям Струдвик Аррасмит разработал эту станцию ​​​​Streamline Moderne Cleveland Greyhound, которая открылась в 1948 году.

Так же, как выставка 1925 года в Париже популяризировала ар-деко, движения Streamline Moderne/Art Moderne получили дальнейшее развитие во время Всемирной выставки в Чикаго в 1933 году. Задуманная как демонстрация современной жизни, ярмарка была создана отчасти для стимулирования экономики во время Великая депрессия. Строительством руководила группа молодых архитекторов, которые спроектировали многие выставки в единой эстетике модерна.

Дворецкий дом, построенный в 1934-1936 годах, служит еще одним ярким примером стиля Streamline Moderne. Настоящий современный пионер, дом был набит гаджетами и всеми новейшими технологиями того времени. Предоставлено iowaarchitecture.org

Точно так же Всемирная выставка в Нью-Йорке 1939 года, посвященная теме «Мир завтрашнего дня», увеличила популярность этого стиля. Возможно, наиболее примечательной является выставка Norman Bel Geddes General Motors. В павильоне была представлена ​​«Футурама», крупномасштабная модель американского города 1960-х годов, демонстрирующая перспективные небоскребы, сложные супермагистрали и вертолетные площадки.

В павильоне General Motors на Всемирной выставке в Нью-Йорке в 1939 году размещалась «Футурама», крупномасштабная модель города 1960 года. Изображения предоставлены theatlantic.com.

Хотя Mid Century Modern и Streamline Moderne по-прежнему представляют собой отдельные стили, есть некоторые сходства в отношении функциональности, дальновидности, четких линий и доступности для широких масс. Итак, вы приверженец модерна середины века или питаете слабость к причудливой архитектуре Streamline Moderne?

Не можете насытиться современной архитектурой прошлого и настоящего? Ознакомьтесь с нашим новым номером Design Issue, , включая всеми любимый глоссарий по дизайну!

И, конечно же, не забудьте подписаться на нас в Instagram, Facebook и Pinterest, чтобы не пропустить новые статьи и идеи об Атомном ранчо!

Более пристальный взгляд на вневременной стиль Streamline Moderne

Если вы цените гладкие и аэродинамические формы, скорее всего, вам понравятся безошибочно узнаваемые изгибы, морские черты и линии модели Streamline Moderne .Это ответвление дизайна и архитектуры в стиле ар-деко появилось после Великой депрессии с целью добавить немного минимализма в первоначальный стиль.
В результате получился более компактный вид, предназначенный для большей функциональности, чем украшения. Эта новая тенденция также подчеркивала эстетику, поскольку она благословляла здания, транспортные средства и даже бытовую технику более современным внешним видом.
Хотя Streamline Moderne оказал огромное влияние в 1930-х годах, как и его родительская тенденция, он также просуществовал недолго. К 1950-м годам в этом стиле строилось все меньше и меньше образцов примечательной архитектуры.Тем не менее, этот стиль дизайна является неизгладимым визуальным снимком Америки и мира, когда мы перешли от бурных двадцатых и Великой депрессии к отметке середины века и далее.

История Streamline Moderne

Чтобы понять, откуда взялась эта тенденция, нам нужно взглянуть на мир промышленного дизайна. Промышленный дизайн — это процесс использования эстетики и функциональности для массового производства товаров. Другими словами, это способ взглянуть на производство, чтобы отдать приоритет дизайну, а не просто производству предметов.
На это движение также сильно повлияла Великая депрессия, глобальный экономический спад, начавшийся в 1929 году и продолжавшийся до конца 1930-х годов. Из-за разрушительных финансовых проблем, вызванных, в том числе сокращением мирового валового внутреннего продукта (ВВП) на 15% и безработицей, достигающей 33% в некоторых странах, люди стали менее терпимы к сложному и богато украшенному.
Если в бурные двадцатые годы стиль ар-деко был популярен, то в суровых условиях 1930-х годов он стал неприемлемым.В результате дизайнерам пришлось искать новые способы адаптации своего творчества к новой реальности.
Одним из таких способов было буквально «упорядочить» витиеватые традиции ар-деко, упростив их до такой степени, что убрали излишества. Так, например, там, где у первого были острые необоснованные углы, Streamline Moderne отличался более минималистичными изгибами, которые также были аэродинамическими. Например, архитектурные украшения были заменены более простыми материалами, такими как стекло и бетон.
Вот несколько цифровых активов, которые отлично отражают суть этой тенденции:

 
Другие тенденции дизайна также сыграли свою роль в создании этой новой интерпретации.
Как и многие другие тенденции, ставшие популярными в Америке, это новое движение находилось под влиянием европейского дизайна, особенно конструктивизма и новой объективности.
Конструктивизм — это строгая и сдержанная русская эстетика 1915 года, предназначенная для отражения городского пространства и индустриального общества, что помогает объяснить, как Streamline стал таким минималистичным.Новая объективность, с другой стороны, была ответом на архитектуру, появившуюся в немецкоязычных странах в 1920-х и 1930-х годах. Новая объективность включила стекло в качестве выдающегося материала в своей архитектуре — как и переосмысление Деко в США — и использование геометрических фигур и форм.
Поскольку Великая депрессия была всемирным явлением, реакция дизайнерской индустрии присутствовала и в Европе. На самом деле именно во Франции этот стиль получил другое название: Paquebot , что примерно переводится как стиль океанского лайнера, и не без оснований.
Французские дизайнеры были очарованы великолепным кораблем, спущенным на воду в 1932 году: SS Normandie. Французский океанский лайнер совершил свой первый рейс в 1935 году и до сих пор является самым быстрым паровым пассажирским судном с турбоэлектрическим двигателем, когда-либо спущенным на воду. Корабль имел гладкий и обтекаемый дизайн, и его до сих пор помнят как один из самых запоминающихся океанских лайнеров, когда-либо построенных.

Изображение предоставлено Мома

Из-за того, что Streamline Moderne уходит корнями в скорость и движение, лежащие в основе аэродинамики, что в какой-то степени совпадает с одержимостью скоростью и машинами в итальянском футуризме, эта тенденция стала более очевидной в архитектуре на протяжении 1930-х и 1940-х годов.Особенно это касалось зданий, связанных с транспортом и скоростью, таких как:

  • Вокзалы
  • Автовокзалы
  • Аэропорты
  • Портовые здания
  • Придорожные закусочные и кафе

Ярким примером этого стиля является купальня в аквапарке, которая теперь принадлежит историческому району аквапарка на набережной залива Сан-Франциско. Построенная в 1936 году Управлением прогресса работ (WPA) — ныне распущенным федеральным агентством — баня имеет явные элементы этой тенденции, такие как закругленные углы, горизонтальные линии и морские окна, напоминающие корабль.Внутри есть даже яркие фрески.
В Сан-Хуане, Пуэрто-Рико, в 1942 году было построено еще одно известное сооружение этого движения: ныне исторический отель «Нормандия». Если это имя звучит знакомо, то это потому, что на его дизайн повлиял вышеупомянутый французский океанский лайнер SS Normandie. Отель не только демонстрирует оригинальный знак океанского лайнера, но и имеет стилизованную форму корабля.
На протяжении 1930-х эта тенденция распространилась и на автомобили. Обтекаемость использовалась для того, чтобы сделать транспортные средства всех видов — самолеты, автомобили, поезда, корабли — более аэродинамическими, проектируя их таким образом, чтобы максимально снизить сопротивление воздуха.Сегодня эта техника дизайна является мейнстримом, и мы можем поблагодарить Streamline Moderne за то, что она стала реальностью.
Некоторые известные примеры автомобилей, разработанных с этой эстетикой, включают:

  • MV Kalakala (паром) с 1926 г.
  • Боинг 247 1933 года выпуска
  • Chrysler Airflow (полноразмерный автомобиль) 1934 года выпуска
  • Дневной пассажирский поезд «Меркурий» 1936 года выпуска
  • Герцогиня Гамильтон (паровоз) с 1938 года
  • Chevrolet серии AK (легкий грузовик) с 1941 по 1947 год

Бытовая техника тоже была разработана в этом стиле спереди и по центру, хотя в этом не было особой функциональной необходимости в отношении снижения сопротивления воздуха.Несколько хороших примеров:

  • Радиоприемник Philips в стиле ар-деко 1931 года
  • Пылесос Electrolux 1937 года выпуска
  • Обтекаемый бакелитовый радиоприемник 1952 года выпуска

Вот еще один взгляд на графику, демонстрирующую этот стиль во всей его уникальности:

К 1950-м годам публика разлюбила подобные движения, что не редкость в дизайне, где тенденции исторически менялись довольно быстро. Несмотря на то, что во всем мире сохранилось множество модернизированных дизайнов, к середине 20   века такие стили, как модерн середины века и дизайн атомного века, начали очаровывать воображение публики.

Особенности конструкции Streamline Moderne

Вы, вероятно, видели элементы этого стиля в различных материалах поп-культуры и отмечали про себя, насколько изящно и резко они выглядели.
Ищите следующие характеристики в любом дизайне, чтобы определить эту тенденцию:

  • Аэродинамические формы, формы и линии (все, что способствует снижению сопротивления воздуха)
  • Широкие изгибы и другие закругленные края
  • Горизонтальные, длинные линии и ориентация
  • Под влиянием элементов ар-деко (геометрические формы и прямые линии)
  • Минимализм (в меру)
  • Морская тематика или влияния, такие как окна-иллюминаторы (круглые корабельные иллюминаторы)
  • Оптимизация конструктивных особенностей
  • Скорость и движение
  • Стеклянные и бетонные строительные материалы
  • Плоские крыши
  • Использование белых цветов и приглушенных пастельных тонов

Вы, скорее всего, увидите эти элементы дизайна в действии на архитектуре, связанной с транспортом, такой как терминалы аэропортов и автобусные станции, а также на реальных транспортных средствах, таких как автомобили, грузовики, самолеты, лодки и поезда в эпоху Великой Отечественной войны. Депрессия и вскоре после нее.
Конечно, вы также, вероятно, увидите эту тенденцию дизайна в произведениях поп-культуры, которые включают ретро-футуризм, поскольку ретро-футуризм часто сочетает технологии и современные концепции с ретро или старомодным дизайном.

Примеры Streamline Moderne

Есть много мест, где вы можете насладиться гладкими аэродинамическими линиями и изгибами этого современного стиля. Мы прошерстили Интернет, чтобы показать вам некоторые из наиболее ярких примеров этого движения.

Графический дизайн

Возвращаясь к некоторым рекламным материалам, созданным для событий и фильмов в 1930-х годах, мы обнаруживаем несколько очень ярких изображений этого стиля.

Международная выставка «Век прогресса» – плакат Всемирной выставки в Чикаго

Это была всемирная ярмарка, которая проходила в Чикаго с мая 1933 года по октябрь 1934 года. Она была организована в ознаменование столетия города, и ее темой были технологические инновации, что соответствовало дизайну плаката.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

Звездами плаката стали Зал Штатов и федеральное здание Соединенных Штатов. Очень чистый графический дизайн хорошо сбалансирован, а самая высокая башня находится прямо в центре композиции.Обратите внимание на явные признаки этой тенденции: длинные прямые линии, плавные изгибы на крышах зданий и общую гладкость оформления.
Приятные бонусы включают яркие цвета, отличный контраст и шрифты без засечек в заголовке и нижнем колонтитуле постера.

Затерянный горизонт Постер фильма

Потерянный горизонт — классический фильм 1937 года, основанный на одноименном романе. Режиссер Фрэнк Капра, это фэнтезийный фильм, рассказывающий о Хью Конвее и его опыте в Шангри-Ла, утопическом ламаистском монастыре, найденном в Тибете.

Изображение предоставлено: IMDB

Streamline Moderne наиболее заметно фигурирует в изображениях архитектуры на постере фильма. Это включает в себя все, от длинных изящных линий бассейна до наклонных линий лестницы и изогнутой крыши здания в верхней части плаката.
Также обратите внимание на иллюстрацию золотых солнечных лучей в левой части плаката, прямо над актерами. Это классическая черта ар-деко, которая делает его присутствие здесь интересным дополнением к общей композиции.

Открытка Всемирной выставки в Нью-Йорке 1939 года

Всемирная ярмарка этого года стала второй самой дорогой выставкой мира в США в истории. Его лозунг был «Рассвет нового дня», что было иронично, учитывая, что Вторая мировая война разразилась всего через четыре месяца после начала этой годовой ярмарки. На этой ярмарке, проходившей в Квинсе, штат Нью-Йорк, как и на других, было много павильонов, в которых, в свою очередь, выставлялись экспонаты, сгруппированные по определенным темам.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

Открытка для одного из таких павильонов, выставочного здания RCA, содержит обтекаемую иллюстрацию главного выставочного здания.Здесь вы увидите обычные штрихи Streamline Moderne, такие как изогнутая крыша, длинные и тонкие линии крыши и высокие, длинные колонны входа.

Архитектура

Многие заметные вклады в архитектуру были оптимизированы. Вот пример некоторых из них, которые выдержали испытание временем.

Здание Coca-Cola

Расположенное под жарким калифорнийским солнцем здание Coca-Cola в Лос-Анджелесе олицетворяет этот архитектурный стиль.Завод по розливу, структура имеет множество морских тем, которые делают его уникальным. По сути, он предназначен для создания внешнего вида корабля, и это из-за таких элементов, как:

.
  • Подиумы
  • Иллюминаторы
  • Мост

Суровая белая краска здания, которая сильно контрастирует с голубым небом города, и красно-черные полосы вдоль нижней части фасада также напоминают о роскошных океанских лайнерах прошлого, таких как SS Normandie или даже королева Мария.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

В местном масштабе оно известно как Coke Building, а в 1975 году оно было признано историко-культурным памятником Лос-Анджелеса.

Первая Церковь Избавления

Что выделяет Первую церковь Освобождения в этом списке, так это то, что это одно из очень немногих мест отправления культа в Америке, спроектированное в Streamline Moderne. Часть духовного церковного движения, исторически основанного на афроамериканском сообществе, в 1994 году была названа Чикагской достопримечательностью.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

Глядя на фасад здания, это яркий пример минимализма и современности в одном лице. Элементы дизайна, которые придают ему его безошибочные черты, включают в себя длинные прямые линии — как по горизонтали, так и по вертикали — наряду с гладкими закругленными углами на крышах и колоннах двух башен. Его простая цветовая гамма придает этому зданию дополнительное ощущение строгости.

Склад компании Hecht

Расположен в Вашингтоне, округ Колумбия.C., склад Hecht Company был построен в 1937 году и известен использованием стеклоблоков или блоков — архитектурных элементов, полностью сделанных из стекла — на большей части фасада. Расширенное в 1948 году, здание было окончательно внесено в Национальный реестр исторических мест в 1994 году.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

Здесь есть некоторые действительно примечательные конструктивные особенности. На 5-м этаже -го -го вы видите сочетание стеклянных блоков и черного кирпича, из которых вытекает название «The Hecht Co.На одном углу крыши находится звездообразный 12-конечный купол (небольшой купол, сидящий на барабане или другом куполе), который ночью подсвечивается.

Здание торгового национального банка (MERC)

Завершенный в 1943 году и построенный в стиле Streamline Moderne, MERC представляет собой 31-этажную башню, расположенную в районе Мейн-стрит в Далласе, штат Техас. Он назван в честь своего бывшего арендатора, Mercantile National Bank, который позже превратился в MCorp Bank. Когда-то эта башня была главным дизайнерским элементом комплекса, занимавшего целый квартал.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

Некоторые из наиболее отличительных особенностей здания включают в себя множество неудач, серию ступенчатых углублений в стенах, которые затем украшают четырехсторонние декоративные часы и погодный шпиль.
Сегодня оригинальный MERC находится рядом с роскошными апартаментами под названием Element. Вместе они образуют переосмысленное Торговое место на Майне.

Транспортные средства

Бендикс SWC

Построенный в 1934 году, Bendix SWC отличался стилем, который поставил его в группу первых автомобилей с обтекаемой формой 1930-х годов.Концептуальный автомобиль, в отличие от того, который был доступен для потребителей, Bendix SWC представлял собой седан среднего размера с пятью пассажирами, который использовал передний привод и четыре колеса с независимой подвеской, которые считались опережающими время.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

Чтобы уменьшить сопротивление воздуха, автомобиль имеет множество гладких углов и кривых, без острых краев. Даже фары автомобиля закруглены в соответствии с темой дизайна. Кто-то может счесть его прототипом «бандитского» автомобиля, популяризированного в черно-белых фильмах той эпохи.

GM Futurliner

Это была коллекция нестандартных автомобилей General Motors, которая производилась с 1936 по 1956 год и использовалась в передвижной выставке GM Parade of Progress , на которой демонстрировались технологии будущего. Было построено множество самолетов Futurliner, каждый из которых включал в себя очень стилизованные интерпретации Streamline Moderne.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

Это видно по различным дизайнерским атрибутам, которые несколько преувеличивают черты этого тренда.Например, кузов автобуса исключительно обтекаемый; его цвета очень яркие, темно-красный и белый; и есть огромные и сочлененные боковые панели из хрома.

Летающий янки

Flying Yankee представлял собой обтекаемый дизель-электрический поезд, построенный в 1935 году. Легкий поезд, сваренный из нержавеющей стали, перевозил пассажиров в вагонах с переменным током между Портлендом, штат Мэн, Бостоном, штат Массачусетс, и Бангором, штат Мэн. Последний его запуск был в 1957 году.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

Поезд — отличный пример технологии, которая впоследствии превратилась в то, что мы знаем сегодня как сверхскоростные поезда или высокоскоростные железные дороги. Flying Yankee олицетворяет аэродинамическую форму, которую мы связываем с этой тенденцией дизайна, которая включает в себя длинные, стройные кузова вагонов, плавные и прямые линии и наклонный дизайн ведущего грузовика.

Боинг 247

Боинг 247, ранний образец авиалайнера, был построен в 1933 году и известен рядом новинок.Он впервые применил полумонокок (напряженная конструкция корпуса с традиционным усилением), цельнометаллическую конструкцию, убирающееся шасси и полностью свободнонесущее крыло. Очень популярный самолет своего времени, он использовался как гражданскими, так и военными эксплуатантами.

Изображение предоставлено: Wikimedia Commons

С точки зрения дизайна легко оценить стиль Streamline Moderne. Фирменный плавный изгиб начинается у носового обтекателя самолета и продолжается плавной линией до самого хвоста самолета.Небольшие иллюминаторы рядом с корпусом самолета также чем-то напоминают морские иллюминаторы, добавляя почти морскую эстетику.

Аэродинамика в дизайне

Хотите ли вы назвать это футуристическим, изящным или продвинутым, ответвление ар-деко заставило людей начала 20 го века задуматься обо всех возможностях на горизонте. По мере того, как технологии развивались во всем, от автомобилей и архитектуры до бытовой техники, этот стиль дизайна прекрасно справился с задачей донести эту меняющуюся реальность до публики.
Все, что потребовалось, это небольшая минимизация или оптимизация его родительской тенденции, и это привело к новой тенденции, которая продлится еще два десятилетия, но влияние которой все еще сохраняется в 21 м веке.

10 основ дизайна, краткое изложение

Плакат с бесплатным дизайном

Загрузите этот плакат в формате PDF для печати и повесьте эти 10 принципов дизайна на свою любимую стену.

Получить файл

Марк — копирайтер и маркетолог, управляющий маркетинговым агентством The Glorious Company.Эксперт в области бизнеса и маркетинга, он помогает предприятиям и компаниям любого размера получать максимальную отдачу от вложенных в рекламу денег.

Посмотреть больше сообщений

Design ПИОНЕР ОПТИМИЗАЦИИ

В 1950-х годах он занялся еще одной специализацией — товарными знаками для нефтяных компаний. «Правильный логотип имеет первостепенное значение для продаж», — объясняет он.«Идет на все — на заправки, автоцистерны, нефтеперерабатывающие заводы, спецодежду, масленки. Он должен быть виден в любых климатических условиях — дождь, туман, снег». Первым таким клиентом был British Petroleum, затем Shell, затем Exxon. Нынешним нефтяным клиентом его фирмы является французская компания Total.

Последние два десятилетия Лоуи больше всего заботился о правительственных заданиях. Он подружился с Джоном Ф. Кеннеди, когда переделывал Air Force One. После убийства семья Кеннеди попросила Лоуи сделать памятную печать.

«Никто никогда не создавал штамп, не показывая голову целиком. Но мы обрезали изображение на макушке, потому что я подумал, что оно символизирует молодого человека, оторванного от жизни».

В качестве кульминации своей карьеры Лоуи называет свою работу в Skylab Национального управления по аэронавтике и исследованию космического пространства, проект орбитальной мастерской, в котором он участвовал с 1967 по 1973 год. «Это была самая захватывающая моя работа, — восклицает он. «Психофизиологический комфорт и безопасность экипажа в экзотических условиях невесомости и в условиях внекорабельной деятельности.Моей самой большой проблемой была невесомость. Как создать для него интерьер? Я чувствовал, что подобие гравитации необходимо. Астронавты и ученые возражали против этого — они были готовы спать в космосе и таким образом питаться».

В 1967 году никто ничего не знал о жизни в космосе, но проект предусматривал трехмесячное пребывание трех человек в космической капсуле. «Сначала я настоял на иллюминаторе. У них должен быть зрительный контакт с Землей», — объясняет г-н Лоуи.«При входе все согласились, что без иллюминаторов было бы ужасно. Кроме того, их описания Земли из космоса были такими захватывающими. Во-вторых, я настоял на том, чтобы они ели лицом друг к другу, чтобы создать ощущение равенства. Затем, что у них есть полное уединение в течение восьми часов в день. Наконец, я настоял на поверхности для сна, потому что в условиях невесомости мужчины принимают позу эмбриона, и я чувствовал, что они должны иметь возможность вытягиваться». В 1974 году Джордж Э. Мюллер, бывший помощник администратора НАСА по космическим полетам, писал Лоуи: «Я не верю, что экипажи Скайлэб могли бы жить в относительном комфорте, в отличном настроении и с выдающейся эффективностью, если бы это было возможно. не было для вашего творческого замысла, основанного на глубоком понимании потребностей человека.

Организация Лоуи продолжает расширяться. Кристер Райдеберг, управляющий директор французской фирмы, считает, что у компании «около 50 активных клиентов», в основном из Европы. Гестетнер все еще является клиентом, а у Лоуи все еще есть его первая модель копировальной машины; он хранится в бывшем амбаре в загородном доме Лоуи, Manoir de la Cense, охотничьем домике XVI века к юго-западу от Парижа, построенном Генрихом IV для своей любовницы.

«Дизайн» явно отсутствует как в La Cense, так и в его pied-a-terre в Париже.Оба загромождены вещами и фотографиями необычайной жизни — Лоуи в кожаных штанах, ботинках и ружьях, в костюме астронавта, в белом галстуке со своей женой Виолой, шикарно одетым в драпированное платье Dior.

Аэродинамика и обтекаемый дизайн 1930-х годов, часть первая

Международная выставка «Век прогресса»
The Streamline World’s Fair Чикаго 1933-34

Когда Муссолини был оккупирован далеко в Италии, а имя «Адольф Гитлер» было всего лишь упоминанием в газетной статье, можно было приехать на Всемирную выставку в Чикаго в 1933 году и мечтать о будущем без депрессии и войны.Это были последние несколько лет невинности и надежды, омраченные международной травмой Великой депрессии, которая так основательно стерла старый образ жизни. Тема ярмарки «Век прогресса» была, как и все мировые ярмарки, индикатором состояния общества в данный конкретный момент и предсказателем грядущего. Действие происходило в Чикаго, там была провинциальная бесхитростная ярмарочная атмосфера, знаменитая стриптизерша Салли Рэнд со своими поклонниками и поистине уродливый расизм, столь обычный для 1930-х годов, но были проблески новых продуктов, которые должны были спроектировать мир завтрашнего дня.Конечно, можно было бы задаться вопросом, почему среди потрясений Великой депрессии у кого-то есть либо время, либо деньги, не говоря уже о желании пойти на ярмарку? Во-первых, «Век прогресса» было обнадеживающим названием, отсылающим к самому Чикаго, но также предполагающим, что «прогресс» будет продолжаться. Во-вторых, всемирные ярмарки, где бы они ни проводились — в Лондоне, Париже, Нью-Йорке или Чикаго — часто создавали дорожные карты, которые подсказывали зрителям направление. В год, когда безработица достигла 25 %, промышленное производство упало на 50 %, а после «черной пятницы» 24 октября 1929 года инвестиции упали на 98 %, нужно было серьезное развлечение.

Шрам, травма, оставленная Великой депрессией на национальной душе, была глубокой. Частично крах экономики был вызван отсутствием у потребителей средств для покупки и поддержания высоких темпов производства. Чтобы защитить американских рабочих, правительство установило международные тарифы , которые только повысили цены и сократили денежную массу. Триггером стал фондовый рынок, который превратился в игорный дом, полный обезумевших клиентов, покупающих акции «на марже», в кредит.«Маржин-колл» или требование полной оплаты вызвало крах, поскольку карточный домик рухнул, сокрушив американцев и распространившись на европейцев. Возможно, из-за того, что эпицентром депрессии была Уолл-Стрит, Америка пострадала больше всего от последствий и продержалась дольше всех. Но были и другие случайные факторы: рукотворная экологическая катастрофа, приведшая к Пыльному котлу на Среднем Западе. Фермеры покинули свои земли и направились на запад, в Калифорнию, где ходили слухи о хороших сельскохозяйственных угодьях и хороших рабочих местах, которые ждут впереди в Земле Обетованной.Сегодня, когда сети социальной защиты постепенно создаются в рамках Нового курса, трудно представить, что американцы остались без дома, еды или одежды и были предоставлены сами себе, чтобы спасти себя. Память о том, что они голодны и лишены еды, запечатлелась в душе американцев, и правительству и бизнесу потребовалась продолжительная кампания, чтобы убедить людей тратить деньги после Второй мировой войны. Но, тем не менее, 1930-е годы стали неожиданным оазисом потребительских расходов на новые продукты, которые начали дебютировать на всемирной выставке в Чикаго.

Появление этих новинок восходит к парижскому феномену ар-деко, взрыву креативности в дизайне, который фактически смирил американцев, отказавшихся участвовать в мероприятиях Международной выставки декоративного искусства и современной промышленности в 1925 году. Но влияние этого нового геометрического стиля оказало влияние через Атлантику, которое сначала проявилось в архитектуре таких зданий, как Эмпайр Стейт Билдинг и Крайслер Билдинг, построенных в начале 1930-х годов.В то время как парижские дизайнеры считали ар-деко продолжением кубистической геометрии, наблюдатели в Америке увидели другую возможность — потребительские товары. Как отметил Кэрролл М. Ганц в своем обсуждении истории промышленного дизайна, : «Организацию профессиональных дизайнеров можно проследить до начала самой профессии, которая впервые привлекла внимание широкой публики США в 1927 году. году Macy’s в Нью-Йорке провела широко посещаемую выставку Art in Trade. На нем были представлены «современные продукты», многие из которых были представлены на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства 1925 года в Париже, которая была с опозданием признана правительством США важным «современным движением».Немедленный спрос публики и производителей на эти новые стили «ар-деко» был настолько очевиден, а потребность настолько велика, что ряд профессионалов в области дизайна (часто архитекторы, дизайнеры упаковки или дизайнеры сцены) впервые сосредоточили свои творческие усилия на массовом производстве. -производимая продукция. Они претендовали на новое звание «промышленный дизайнер», которое возникло в Патентном ведомстве США в 1913 году как синоним тогдашнего термина «искусство в промышленности». Сразу же некоторые из этих профессионалов основали Американский союз художников-декораторов и мастеров. (AUDAC) для защиты своих концепций промышленного, декоративно-прикладного искусства от пиратства и для демонстрации своих новых работ.AUDAC привлек широкий круг художников, дизайнеров, архитекторов, коммерческих организаций, промышленных фирм и производителей. За несколько лет в нем насчитывалось более сотни членов, и в 1930 и 1931 годах проводились крупные выставки». Он сообщил, что дизайнеры мебели последовали его примеру, и идея «промышленного дизайна» создала нишу для дизайнеров, которые создавали объекты от больших локомотивов до маленьких автоматических миксеров. Однако новые промышленные дизайнеры не следовали заветам ар-деко — роскошные предметы, предназначенные для эксклюзивной клиентуры.Чтобы обозначить новую и более широкую аудиторию, средний класс Америки, название Art Deco было изменено на Art Moderne.

Глиняная модель автомобиля Cadillac Aerodynamic Coupe 1932 года

Павильон GM на Всемирной выставке «Век прогресса» в Чикаго (1933 г.)

Дополнительная буква «е», добавленная к английскому слову, означала, что это «модерн» было производным от исходной концепции и не было связано с французской послевоенной традицией продолжения модернизма кубизма и его потомков.В статье Уильяма Ковалика «Оптимизированный современный дизайн в потребительской культуре и транспортной инфраструктуре: дизайн для двадцатого века» объясняется отличие ар-деко от его американского аналога Streamline Design: . Деко как более доступный стиль, на который повлиял настоящий момент, быстро развивающаяся современная жизнь, учитывающая движение, скорость и транспортную инфраструктуру, принимая аэродинамический образ.Ключом к упрощению модерна по сравнению с ар-деко была широкая доступность предметов и продуктов, предназначенных для повседневного использования далеко идущей группой американцев. Определяющими элементами стиля Streamline Moderne, предназначенного для потребителей, является эффективность, позволяющая вписаться в быстро меняющуюся жизнь пользователей, не так уж отличающуюся от современного маркетинга. Четкие, округлые линии излучают элегантную простоту и удобство использования в современном доме». Другими словами, утонченность ар-деко в Париже и других европейских странах была упрощена и применена не к предметам желания, а к предметам полезности.Важность присвоения ар-деко американскими промышленными дизайнерами, как называли себя новые художники, заключалась в том, что внезапно очень высокий стиль был распространен на новые области повседневной жизни, внезапно преуспев в том, чтобы принести хороший дизайн в дом по доступным ценам.

Чайный набор Wiener Werkstätte

Эта мечта о хорошем дизайне в каждом доме, востребованная и сформулированная художественными и ремесленными и эстетическими движениями в Англии, коллективом Wiener Werkstätte в Вене, Deutscher Werkbund (Немецкая ассоциация ремесленников) в Германии и наконец, после Великой войны, в Баухаусе в Дессау.До Великой войны эти попытки информировать общественность о важности качества производства, мастерства и мастерства в сочетании с превосходным дизайном привели к созданию предметов роскоши, доступных только элите. Даже Баухаус был слишком маргинализирован и слишком окружен враждебными силами, чтобы преуспеть в том, чтобы сделать свои более промышленные продукты доступными для широкой аудитории. Ар-деко с его намеками на роскошь просто содержал авангардную традицию дизайна как искусства. Но промышленный дизайн в Америке был в другое время и в другом месте.Благодаря большим промышленным ресурсам, недоиспользованным во время Великой депрессии, Америка имела больше возможностей для массового производства хорошего дизайна, чем ее европейские коллеги. Германия была парализована Великой депрессией, а Баухаус был уничтожен восходящими звездами нацистской партии. В дополнение к переносу хорошего дизайна на арену массового потребления, промышленный дизайн применил Streamline Moderne к объектам, которые каждый мог себе позволить и которые все использовали. Хотя об этом редко упоминают, стиль Streamline преуспел после восьмидесяти лет усилий по реформированию дизайна после Великой выставки в Лондоне в 1851 году.Доступный, доступный и ошеломляющий, Streamline Design был американским феноменом, который пытался уговорить публику покупать новые и стильные продукты во время Великой депрессии. Как заметил Ковалик, «Доступность и, возможно, обыденность Streamline Moderne — вот что делает его интересным, потому что чрезвычайно важный характер того, что этот стиль достиг в продвижении дизайна вперед, оставаясь таким вездесущим и обычным. Архитектура, мебель, декоративные предметы, автомобили и транспортные средства, а также бытовая техника и приспособления, спроектированные в стиле Streamline Moderne, занимали видное место в американских домах 1930-х и 1940-х годов.Впервые большая часть американского населения познакомилась и, возможно, смогла позволить себе «хороший» дизайн, который был бы не только эстетически продуман, но и новые инструменты для нового века благодаря продуктам, экономящим время, и преобразующим изобретениям, но и новинки и для увлечения потребителей».

Маргарет Бурк-Уайт. Спиральные стержни

Для тех, кто посетил ярмарку в Чикаго, это событие стало возможностью стать свидетелями представления Machine Aesthetic, оценки машины, ее чистых и целенаправленных линий и функций.Эта машинная эстетика, тесно связанная со своим стильным двоюродным братом, обтекаемым дизайном, провозгласила, что старый мир, в котором хороший дизайн был привилегией высших классов, закончился, и что хороший дизайн принадлежит или может принадлежать всем. Эстетика машин лучше всего проявляется в увлечении современных фотографов 1920-х и 1930-х годов в Германии и Америке фотографическими исследованиями современной техники и индустриального ландшафта. Альберт Ренгер-Патч, блуждая по восстанавливающейся после Великой войны земле Веймарской Германии, обнаружил неожиданную «красоту» в фабричных работах и ​​промышленных зданиях.Маргарет Бурк-Уайт направила свою камеру на мосты и исследовала внутреннюю работу фабрик, видя, как и Ренгер-Патч, новые абстрактные формы и узоры, которые обрели новую и независимую жизнь в качестве изображения. Это художественное признание машинной эстетики было связано с любовью к скорости и динамизму, страницей вне футуризма. Поздние футуристы восхищались новыми разработками в любом быстро двигающемся предмете, от автомобилей и особенно до самолетов, и они изобрели совершенно новый жанр живописи « аэропиттура » или картины, расположенные в кабине самолета.Слово «аэродинамика» господствовало в 1930-х годах, создавая образ скорости для автомобилей, поездов и кораблей — всех видов транспорта. Получившаяся каплевидная форма овала, вытянутого в полете, стала лейтмотивом всего движущегося, от пылесосов до утюгов, которые мчатся по влажной одежде. Любой объект, движущийся по воздуху, должен был иметь форму, устойчивую к сопротивлению, а плавная дуга или длинный затухающий круг, казалось, лучше всего подходили для того, чтобы позволить потоку воздуха «течь» с небольшим трением.

Бакминстер Фуллер. Автомобиль Dymaxion (1933)

Один из самых известных промышленных дизайнеров Бакминстер Фуллер (1895–1983) представил свой автомобиль Dymaxion, разработанный 12 июля 1933 года, для публики на выставке Century of Progress в Чикаго. Одной из основных тем ярмарки была связь между научной фантастикой и изобретениями современности. Автомобиль Dymaxion был действительно футуристическим, имел форму длинной колбасы или приземлившегося дирижабля и имел длину двадцать футов.Все эти удлиненные ножки и весь аэродинамический дизайн двигались вперед со скоростью девяносто миль в час, в то время как автомобиль балансировал на трех колесах. Через несколько месяцев после выставки был убит водитель-испытатель, а инвесторы автомобиля будущего сбежали от изобретателя. Затем та же самая машина, которая перевернулась в смертельной аварии, сгорела до костей и шин, рухнув в массу раскаленного металла. Всего было построено всего три автомобиля Dymaxion: один закончил свои дни на свалке, а последний уцелевший можно увидеть в Рино, штат Невада, в Национальном автомобильном музее.Чудесный и смертоносный автомобиль, который так озадачил посетителей ярмарки, был частью полностью реализованного нового мира, Dymaxion World, который включал Dymaxion House, изобретенный в 1927 году. семейный дом. Круглый алюминиевый дом был подвешен к мачте и вмещал семью из пяти человек. Как рассказали авторы Уилл Фу, Юстина Малезик и Изабель Очоа для веб-сайта Дома , «Первые версии дома Dymaxion, разработанные Бакминстером Фуллером, были семейными домами на пять человек, с шестиугольными планами этажей и центральной поддерживающей мачтой.Мачта была прикреплена к земле своим основанием и предлагала возможность установки лифта внутри ее рамы. Хотя жилые помещения этих домов занимали всего один этаж, они были приподняты над землей на один этаж». Радикальный дизайн был таким же чужим, как и соответствующий автомобиль, но гораздо более безопасным. Статья продолжилась: «В целом дом весил около 6000 фунтов или 3 тонны и имел 1600 квадратных футов жилой площади. Все версии, выпущенные за это время, были изготовлены из прочных материалов, в основном из алюминия.Фуллер отдавал предпочтение алюминию за его природные качества, возможность вторичной переработки и отсутствие обслуживания или покраски. И хотя материал имел высокую энергозатратность, он прослужил сколь угодно долго, перевешивая этот минимальный недостаток. Дома были спроектированы таким образом, чтобы каждый из их компонентов был достаточно легким, чтобы его мог переносить один человек, что обеспечивает удобную и легкую сборку, а также транспортировку».  Некоторые из этих инновационных домов будут построены после Второй мировой войны, когда ощущалась нехватка жилья, но другие застройщики на обширных территориях смогли быстро возвести традиционные дома в стиле Кейп-Код, используя традиционные материалы, такие как уютная древесина.Если публика прохладно относилась к жилью будущего, то к одному из крупнейших аэродинамических видов транспорта — локомотиву, также дебютировавшему в «Век прогресса», — относились более благосклонно. Этот новый дизайн будет обсуждаться в следующем посте.

V&A · Обтекаемый дизайн: скорость становится стилем

«Конечно, то, что научное исследование аэродинамики […] будет перенесено в мир статичных объектов, которым вряд ли нужно куда-либо быстро перемещаться, является одной из величайших комедий дизайна 20-го века».

Брендан Кормье, куратор выставки «Автомобили: ускорение современного мира»

29 апреля 1899 года молодой бельгийский предприниматель сделал то, чего раньше никто не делал. На дороге общего пользования за Ашером — городком на окраине Парижа — Камиль Женаци разогнал свое тело до скорости 105,882 километра в час. Он сделал это, используя только металлическую трубу, шасси с четырьмя резиновыми колесами и электрический двигатель. Впервые превысив отметку в 100 км/ч, Дженаци побила мировой рекорд скорости на суше.Автомобиль, получивший эту награду, назывался La Jamais Contente , что переводится как «никогда не удовлетворяемый». Хотя в шутку это была ссылка на его жену, это имя также говорит об упрямом стремлении Дженаци улучшить свои собственные рекорды скорости (он уже установил два за предыдущие четыре месяца). Но выражение «никогда не удовлетворяться» было также и пророческим, поскольку в дальнейшем оно идеально символизировало принуждение ехать еще быстрее, которое на протяжении последних 120 лет терзало сердца и умы тысяч инженеров, дизайнеров, механиков и водителей.

La ‘Jamais-Contente’ de Jenatzy à Achères en 1899, Chemins de fer cars (CFTA), Max de Nansouty (engénieur des Arts et Manufactures), стр. 49, под редакцией Boivin & Cie, 1911, Франция. Викисклад

К 1920-м и 30-м годам общественный аппетит к скорости не только помог преобразовать новые технологии вождения, но и коренным образом изменил внешний вид повседневных предметов. Большинство улучшений характеристик автомобиля происходило под капотом, невидимым невооруженным глазом, но в первые несколько десятилетий 20-го века применение аэродинамических испытаний начало оказывать сильное влияние на внешний вид автомобиля.От корпуса торпеды La Jamais Contente до низкой угловатой формы Golden Arrow (1928 г.) эти ранние испытания на обтекаемость в основном были сосредоточены на одноразовых экспериментальных автомобилях, разработанных исключительно для того, чтобы побить рекорды, и, таким образом, на протяжении многих лет эстетика обтекаемости оставался относительно маргинальным. Однако именно венгерский инженер Пол Ярай на протяжении 1920-х и 30-х годов стремился донести этот образ до широкой публики, применяя принципы обтекаемого дизайна автомобилей к современным серийным автомобилям.

Золотая стрела Ирвинга-Напье, мировой рекорд Генри Сегрейва в 1929 году, опубликованный в Le Sport Universel Illustré 23 марта 1929 года, стр. 192. Викисклад

Работая в Luftschiffbau Zeppelin в 1915 году, Джарай смог использовать аэродинамическую трубу компании, чтобы сделать свою первую крупную попытку создать обтекаемый дизайн: дирижабль Lz-120 Bodensee, чья выпуклая передняя часть и сужающийся конец повлияли на все последующие конструкции цеппелинов. В 1920-х годах он использовал эти знания, чтобы попытаться разработать всеобъемлющий набор принципов модернизированного дизайна автомобилей, создав бизнес по лицензированию этих конструкций для производителей автомобилей.Но в то время как Ярай вел переговоры со многими крупными автомобильными компаниями, чешская компания Tatra была единственной, которая, наконец, начала массовое производство автомобиля с обтекаемой формой в сотрудничестве с ним. После работы с главным конструктором Tatra Хансом Ледвинкой в ​​1934 году был представлен Т77; он был гладким, низким и имел плавник, спускающийся по спине.

Реклама Tatra ’77’, 1934 год. Wikimedia Commons

Затем последовали и другие обтекаемые конструкции: Chrysler Airflow дебютировал в том же году, имея некоторое сомнительное сходство со многими идеями, которые Джарей пытался продать компании в течение предыдущих нескольких лет.Peugeot также активно использовал методы оптимизации, что наиболее заметно в модели 402, выпущенной в 1935 году, и в модели 202, супермини, выпущенной в 1938 году, с характерной наклонной передней решеткой. Однако, пожалуй, наиболее заметным было влияние обтекаемого преемника T77, T97, на Адольфа Гитлера и Фердинанда Порше. Гитлер специально назвал Tatra в качестве примера для подражания, поручив Порше спроектировать для него народный автомобиль, и получившийся в результате Kdf-Wagen — Beetle — имеет много сходных черт.

Брошюра, рекламирующая Aero-Dynamic Hupmobile Series 518 от Hupp Motor Car Company, 1935 год, Детройт, США. Музей №. Е.1322-1989. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Между тем энтузиазм по поводу обтекаемости и характерной каплевидной формы, которые можно было обнаружить во многих ранних аэродинамических испытаниях Jaray, уже закрепился в мире дизайна продукции. Конечно, то, что научное исследование аэродинамики, примененное к дирижаблям и автомобилям из соображений скорости, эффективности и управляемости, должно быть перенесено в мир статичных объектов, которым вряд ли нужно куда-то быстро двигаться, является одной из великих комедий 20-го века. дизайн века.Вскоре все, что можно было стилизовать с гладкими изгибами и заостренными концами, чтобы обозначить современность и будущее, стало подвергаться такой обработке. Точилки для карандашей, веера, шляпы, стулья, утюги и даже мясорубки были созданы так, как если бы они прошли испытания в аэродинамической трубе, превратив серьезное научное исследование в дешевый маркетинговый ход.

(Слева направо): Шляпа-клош, мисс Фокс, 1928–29, Лондон. Музей №. Т.203-1931. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Streamliner, мясорубка, разработанная Эгмонтом Аренсом и Теодором С.Брукхарт, 1940 год, США. Музей №. М.222-2011. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; «Кресло для авиалиний», дизайн Кема Вебера, 1934–35, Лос-Анджелес, США. Музей №. В.4-1991. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Промышленный дизайнер Рэймонд Лоуи рассматривал обтекаемый стиль как своего рода естественный эволюционный шаг. На его диаграмме эволюции дизайна 1930 года изображены трансформирующиеся силуэты автомобиля, поезда, телефона, часов, стула, стекла на ножке, платья и купального костюма.С каждым объектом он утверждал, что с течением времени их основные формы улучшались и развивались в сторону гладких, плавных минимальных форм, характерных для его эпохи.

Рационализация со временем вышла из моды, но тенденция к переводу технических достижений в области скорости в другие формы и средства все еще оставалась. Столь же ошибочный эпизод произошел сразу после Второй мировой войны, когда Харли Эрл, глава отдела дизайна General Motors, был глубоко вдохновлен образом истребителей и начал воплощать их внешний вид в дизайне своих автомобилей.Он начал с серии концептуальных автомобилей Firebird I-IV, оснащенных реактивными двигателями и оснащенных всеми новейшими технологиями управления авиацией. Вскоре он нашел способы привнести в свои серийные автомобили ощущение передового полета, установив хвостовые плавники (используемые в основном для стабилизации на высоких скоростях) и «дагмарские» бамперы (для доставки артиллерийских снарядов или реактивных снарядов) на свои «кадиллаки». чрезмерное использование хрома. Ничто из этого не имело ничего общего с реальной скоростью или функциональностью автомобиля, и по мере того, как эти аксессуары росли с каждой последующей моделью, становилось ясно, что стиль зашел в эстетический тупик, нуждающийся в переосмыслении.

Firebird III на выставке Century 21 Exposition, Сиэтл, 1962 год. Муниципальный архив Сиэтла. Викисклад

Эта статья представляет собой отредактированный отрывок из каталога выставки Автомобили: ускорение современного мира Брендана Кормье и Элизабет Бисли

Фоновое изображение: (деталь) Streamliner, мясорубка, разработанная Эгмонтом Аренсом и Теодором С. Брухартом, 1940 год, США. Музей №. М.222-2011. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

День 20 | Оптимизация

Под редакцией Этти

Первый черновик, второе редактирование:

Seb- ВВЕДЕНИЕ

Летом 1929 года Америку поразила Великая депрессия.Печально известный крах Уолл-Стрит, также известный как Черный вторник, стал началом самого разрушительного экономического кризиса за всю историю Соединенных Штатов. Акции потеряли 90% своей стоимости, а количество рабочих мест упало до рекордно низкого уровня. Потребительский спрос сократился до самого необходимого, и будущее компаний и предприятий выглядело безрадостным.

Производителям нужны были новые способы повышения уровня потребления, и поэтому они заключили союз с новыми современными дизайнерами продуктов, которые создавали предметы домашнего обихода, которые были функциональными и практичными, но, в отличие от других бытовых приборов 1930-х годов, также были стильными произведениями искусства.

Люди хотели, чтобы в их домах была современная техника, поскольку она олицетворяла собой прогресс и давала им оптимистичный взгляд на будущее. Стиль стал таким же важным, как и функциональность, и рекламодателям теперь было о чем поговорить, продвигая желаемый образ жизни с помощью новых дизайнов и создавая у потребителей впечатление, что, покупая эти продукты, они участвуют в экономическом прогрессе.

Великая депрессия еще продолжалась, но экономические инновации, привнесенные дизайнерами, сделали продукцию доступной для всех.Используя штамповку и литье, они получили возможность использовать дешевые, но эффективные материалы, такие как хром, алюминий, нержавеющая сталь. винил, бакелит и фанера. Промышленные товары начали «преображаться в эпоху машин». (Стивен Хеллер и Луиза Фили – Streamline.)

Лампы, фены и степлеры стали характеризоваться изогнутыми формами, кричащими о скорости и прогрессе; все разрабатывалось с оптимистичным видением будущего. Движение Streamline оказало огромное влияние на американскую архитектуру того времени, породив огромные изогнутые здания, практически не имеющие прямых углов.

Потребители начали приспосабливаться к современной жизни и стилю своих домов с помощью продуктов, которые им, возможно, не нужны, но которые послужили эмоциональным подъемом от Великой депрессии.

В этой книге исследуются характеристики дизайна Streamline в его лучшем виде, мощное влияние, которое он оказал на Америку во время депрессии, и то, как он все еще влияет на современный дизайн сегодня.

Ben- ВАКУУМ

Движение ар-деко зародилось вскоре после окончания Первой мировой войны, во времена быстрой урбанизации и индустриализации.Движение зародилось во Франции, а затем достигло международного расцвета, достигнув Англии, Америки и Индии.

Ли Лори, Луи Лкарт и Адольф Кассандр были ведущими мыслителями этого движения и начали использовать отличительные яркие цвета, крупные смелые геометрические формы и обильный орнамент, избегая любых органических или цветочных фигур в стиле ар-нуво, предшествующем движению. Арт-деко был экстравагантным и ярким и излучал ауру гламура и роскоши.

Хотя движение Streamline восстало против женской, естественной методологии ар-нуво, эти два движения все еще демонстрировали сходство; они оба движимы изобретением новых технологий, и оба они были невероятно заразными стилями, пробившимися в графический дизайн, кино, фотографию, архитектуру и транспортный дизайн.Основное различие между двумя движениями заключалось в том, что Streamliners хотели избавиться от преувеличенного орнамента ар-деко; они чувствовали, что украшение было чисто эстетическим и не имело никакой цели. Американские промышленные дизайнеры считали ар-деко «изнеженным и ложно современным художественным движением».

Разницу между ар-деко и модерном можно продемонстрировать на примерах часов, созданных на основе обоих механизмов; Слева дизайнер в стиле ар-деко использовал угловатые формы для создания яркого статического геометрического узора.На часах справа преобладают горизонтальные линии, которые обычно используются в Streamlined Design для обозначения скорости. В этом случае дизайн противоречит идее обтекаемого дизайна, согласно которой орнамент должен выполнять свою функцию, поскольку часы не нуждаются в аэродинамических характеристиках.

 

———— Положите изображения часов здесь ————-

 

Tammy-  МАТЕРИАЛЫ И ЭЛЕМЕНТЫ

Оптимизация транспорта в 1930-х годах сделала доставку материалов в США более эффективной и доступной, что позволило американским дизайнерам использовать ряд материалов, к которым у них обычно не было доступа.Алюминий, нержавеющая сталь, хром, фанера и винил использовались для изготовления предметов быта, новинок. Каждый хотел стать частью захватывающего нового будущего, которое символизировали эти продукты.

Одним из самых популярных материалов, используемых в этот период, был хром, также известный как хром. Хром — это твердый и хрупкий металл серебристого цвета, который используется для производства нержавеющей стали путем ее упрочнения и предотвращения ржавчины и коррозии. Нержавеющая сталь была еще одним популярным выбором дизайнеров обтекаемых моделей, поскольку сталь использовалась при создании аэрокосмических конструкций и больших элегантных зданий в период ар-деко.Наиболее распространенным материалом, используемым в обтекаемых конструкциях, является алюминий, легкий металл серебристого цвета, который жизненно важен для аэрокосмической промышленности из-за его прочности и легкости. Изделия из алюминия были чрезвычайно популярны в 1920-х годах, поскольку было известно, что они сделаны из того же прочного материала, что и самолеты, и поэтому считались заслуживающими доверия.

Материалы использовались для создания геометрических узоров, подобных тем, что использовались в стиле ар-деко, которые можно было быстро и легко изготовить.

Пластмассовые материалы, такие как бакелит, оргстекло, винил и полистирол, были изобретены в этот период и сразу же привлекли внимание современных дизайнеров.Бакелит был особенно полезен в электротехнической и автомобильной промышленности из-за его чрезвычайно высокой устойчивости к теплу и электричеству. Пластик можно было заливать или впрыскивать в формы, которые создавали закругленные углы, создавая гладкий и чистый внешний вид, который искали дизайнеры рационализаторов.

Ник- ВЕДУЩИЕ МЫСЛИ И ВЛИЯНИЕ  

Рэймонд Лоуи, Уолтер Дорвин Тиг, Норман Бел Геддес и Гилберт Роде были ведущими создателями движения за упрощенный дизайн и заложили основы его динамики и эстетики.

Рэймонд Лоуи — американский промышленный дизайнер французского происхождения, известный как отец модернизированного дизайна. Лоуи был ответственен за становление промышленного дизайна как профессии, и его влияние распространилось на 50 лет. Лоуи был художником, бизнесменом и изобретателем. Он начал свою карьеру в качестве дизайнера, упростив бытовые приборы, сделав их более безопасными, простыми в использовании и более эстетичными.

Тем не менее, его истинная страсть была связана с проектированием поездов, о чем свидетельствует его книга « Локомотив, », в которой он комментирует серию поездов с паровыми двигателями из разных частей мира.

«Моя юность была очарована гламуром «Локомотива». Я все еще нахожусь под его чарами, и в этом томе я скорее напишу о красоте великолепного существа, которому я обязан некоторыми из моих самых дорогих сувениров». – Раймонд Лоуи

Обтекаемый локомотив S1 в стиле ар-деко длиной 42,74 м, спроектированный Лоуи, стал самым длинным поршневым локомотивом из когда-либо созданных.

В 1945 году вместе с пятью другими дизайнерами он основал корпорацию Loewy Associates , которая вскоре стала крупнейшей фирмой промышленного дизайна в мире.

В 1950 году в журнале космополитен появилась статья:

«Лоуи, вероятно, повлиял на повседневную жизнь большего количества американцев, чем любой другой человек его времени».

Уолтер Дорвин Тиг был промышленным дизайнером, архитектором, иллюстратором, графическим дизайнером, писателем и предпринимателем. В то время как Рэймонд Лоуи был известен как «отец Streamline дизайна», Дорвина называли «деканом промышленного дизайна».

Его профессия в области промышленного дизайна началась вместе с Норманом Белом Геддесом, Рэймондом Лоуи и Генри Дрейфусом, которые вместе основали «Общество промышленного дизайна» в 1914 году.Его работы были хорошо известны своими традиционными концепциями, несмотря на то, что позже они перешли к более модернистским ценностям. По всей Америке он был признан важной фигурой в распространении модернизма середины века и упрощенного дизайна. Одним из его самых известных проектов была камера «Tiny Baby Brownie», которую он создал для Kodak. Используя пластик, ему удалось деформировать камеру и придать ей гладкую, минималистическую и стильную форму.

Изображение Этти Флинн

Работа Нормана Бела Геддеса в основном была сосредоточена на аэродинамике и транспортных средствах.На протяжении многих лет он создал ряд футуристических концепций, касающихся дизайна поездов, океанских лайнеров, самолетов и автомобилей. Его «каплевидный автомобиль» был ярким примером Streamline Design. Уникальные характеристики автомобиля не только служили смелым проявлением Streamline Design, но и обеспечивали отличную обзорность благодаря увеличенным изгибам, закругленному лобовому стеклу и арочным окнам. Автомобиль был, без сомнения, шедевром своего времени. Геддес очень доверял движению Streamline, его лозунгом было «Я вижу будущее».

Гилберт Роде был промышленным дизайнером и консультантом по маркетингу в таких важных компаниях, как Heywood-Wakefield Company, Widdicomb Company и Troy Sunshade Company, самых влиятельных предприятиях своего времени. Роде считался скорее инженером, чем художником, использующим мыслительный процесс как средство для создания своей работы, а не визуальные эффекты и заранее сфабрикованные идеи. Сочетая традиции с инновациями, он создал совершенно оригинальные дизайны. Он экспериментировал с различными материалами и стилями, чтобы создать самые разнообразные конструкции стульев, что вызвало огромный интерес и популярность.

– Этти, Ник и Себ   ОПТИМИЗАЦИЯ ТРАНСПОРТИРОВКИ И ПРОДУКТОВ

Механизм Streamline родился после того, как аэродинамические исследования показали, что, принимая каплевидную форму, транспортные средства могут уменьшить сопротивление воды и ветра, что позволяет им двигаться более легко.

Обтекаемый дизайн сыграл жизненно важную роль в разработке самолетов, которые обтекаемы, чтобы уменьшить лобовое сопротивление, аэродинамическую силу , препятствующую движению самолета в воздухе, чтобы минимизировать шум

выбросы

и повысить их стабильность.

 

 

Первый крупный самолет, названный Douglas DST, совершил свой первый полет в 1935 году. Самолет, построенный в Южной Калифорнии компанией Douglas Aircraft Company, предназначался для военных целей и доставлял солдат союзников и припасы в бой. Его дальность, мощность и скорость произвели революцию в воздушном транспорте в 1930-х и 1940-х годах. В конце концов он был продан компании American Air Lines в Чикаго и одобрен для национальных рейсов, перевозящих людей по Америке днем ​​и ночью.

Первый обтекаемый поезд, который ехал по рельсам, назывался Burlington Zephyr, , также известный как Silver Streak. Построенный в 1934 году, он добирался из Денвера в Чикаго менее чем за 14 часов, что в два раза превышает скорость других обычных поездов. Внешний вид локомотива был сглажен за счет покрытия выступов нержавеющей сталью, что уменьшило сопротивление воде и ветру.

Идея не замедлила повториться, и в течение десяти лет стиль путешествовал по Англии, Германии, Франции, Австрии, Нидерландам, Дании, Канаде, Японии и Китаю.Затем идея обтекаемости радикально изменила форму автомобилей. Hupmobile , , разработанный Рэймондом Лоуи в 1932 году, отличался изогнутыми бамперами, колпаками колес, встроенными фарами и наклонными окнами и дверями с закругленными углами, и все это было чрезвычайно передовыми функциями для своего времени.

Лоуи не смог убедить свое руководство в успехе автомобиля, и ему пришлось самому финансировать создание автомобиля, потратив более двадцати тысяч долларов.Его игра окупилась, так как Hupmobile выиграл первый приз на всех автомобильных выставках, в которых он участвовал.

Дизайн автомобилей Нормана Бел Геддеса был больше ориентирован на перевозку как можно большего количества людей, модель ниже была названа Car no.8, и в ней могли разместиться до 8 человек.

Рис. 2 Вагон №8. (1933)

Модель, созданная в 1933 году, отличалась шестью колесами, большими окнами, отсутствием хвостового оперения и уплощенным днищем.

По иронии судьбы, были проблемы с аэродинамикой транспортного средства, касающиеся схемы потока вокруг задней и нижней частей, которые вызывали эффект сопротивления, замедляя его и снижая его потенциальную скорость.

Рис. 3 Блок-схема – самолет в вагон №8.

Бел Геддес позже включил ключевые особенности конструкции самолета в свой обтекаемый автомобиль, что позволило улучшить воздушный поток и аэродинамику. Был добавлен хвостовой плавник, который разрезал воздух, уменьшая трение, а еще два передних колеса были встроены в переднюю часть автомобиля, чтобы выровнять вес. Машину покрыли хромом, чтобы она была еще больше похожа на самолет.

Рис. 4 Модель патента 1934 года.

Рис. 5 Эскиз модели 1934 года.

Хотя модели так и не были реализованы, они вдохновили более поздние упрощенные конструкции; днище «рыбий хвост» начало появляться на различных автомобилях в середине 1940-х годов.

Движение обтекаемости стало символом прогресса и начало оказывать влияние на промышленных дизайнеров, производящих товары для дома. Идея заключалась в том, что эти новые модернизированные приборы облегчат работу по дому и отнимут меньше времени, а также дадут людям возможность бороться с депрессией посредством потребления.

По мере того, как движение набирало обороты, дизайнеры начали упрощать все, что только можно было достать, от утюгов до степлеров и нижнего белья.

Винтажные обтекаемые изделия можно найти в Музее дизайна пластмасс при Университете искусств в Борнмуте.

 

Фотография Этти Флинн

Этот электрический утюг Morphy Richards — прекрасный пример того, как дизайн бытового изделия может быть вдохновлен архитектурой поезда.

Каплевидная форма металла идентична форме паровоза. Легко представить, как потребитель был бы соблазнен идеей о том, что каплевидная форма ускорит работу по дому и сэкономит время.

Фотография Этти Флинн

Эти кухонные весы Salter были изготовлены ближе к концу движения обтекаемой формы, в 1950 году, но до сих пор источают ауру волнения за прогресс; Пластиковый контейнер, установленный на весах, является буквальной интерпретацией знаменитой слезинки, но в данном случае форма логична, что облегчает переливание измеряемого содержимого в следующий контейнер.Чешуя не могла бы так эффективно выражать оптимизм без своего фосфоресцирующего желтого тела со скошенными краями, напоминающими края паровоза.

— Райан и Себ  УПРОЩЕННЫЙ ГРАФИЧЕСКИЙ ДИЗАЙН

К концу 1930-х годов дизайн Streamline стал настолько популярным, что разработал собственный модернистский стиль в графическом дизайне.

Доступ к цветным принтерам дал графическим дизайнерам новые способы изменить свою утомительную, старомодную рекламу, увеличив видимость и придав упаковке продукта больше функций, излучая ауру волнения.Зиккураты и молнии, заимствованные из движения ар-деко, были преобразованы в значки, а цветовые палитры были простыми, но привлекательными, с использованием желтых, красных и оранжевых тонов на фоне серых тонов. Плакаты характеризовались симметричными и изогнутыми формами, сопровождаемыми контрастной смесью пышных шрифтов и смелых, сжатых шрифтов.

Этот особый стиль графического дизайна использовался в плакатах, рекламирующих обтекаемые поезда, или в рекламе поставщиков алюминия, латуни и магния.

Минималистичные горизонтальные линии использовались для выражения скорости, в то время как поезда были изображены в огромной диспропорции по отношению к их окружению, подчеркивая растущий спрос на эти конкретные материалы.

Плакат Артура Радебо

 

Huxley™ Вертикальный

Вертикальный шрифт Huxley был разработан американским типографом Уолтером Хаксли для компании American Type Founders. Шрифт не имеет острых углов, а имеет плавные закругленные кончики.

Длинные прямые линии напоминают корпус самолета поезда.

Оптимизированный графический дизайн в конечном итоге исчез после начала Второй мировой войны в начале 1940-х годов. Заманчивая графика стала ненужной в экономике военного времени, и модернистские рекламные акции перестали производиться на время войны.

— Тэмми и Бен УПРОЩЕННАЯ АРХИТЕКТУРА

Влияние Streamline Design на архитектуру 1930-х годов было неизбежным, и вскоре архитекторы начали проектировать здания с закругленными краями и угловыми окнами, которые постепенно стали напоминать обтекаемые корабли.Обтекаемые здания были окрашены в приглушенные, светлые, землистые тона, бежевые и яркие металлы, что контрастировало с чертами ар-деко, которые обычно окрашивались в темные оттенки синего или серого. Известные примеры включают здание Daily Express в Манчестере, построенное в 1939 году по проекту архитектора-модерниста Оуэна Уильямса. Уильямс использовал закругленные края и большое количество гнутого стекла, чтобы упростить свои проекты. Черный, серебристый и лазурный цвета используются для сглаживания экстерьера, и в целом, хотя и статичное, здание излучает ауру движения и скорости.

 

Здание Daily Express, Манчестер. 1939

Здание Coca-Cola, спроектированное Робертом В. Дерра в Лос-Анджелесе в 1939 году, является наиболее похожим на корабль зданием, спроектированным в этот период. Завод по розливу кока-колы имеет иллюминаторы, подиум и мост, соединяющий его с пятью существующими промышленными зданиями, которые окружали его во время его постройки. Нарисованные на черных и красных полосах в нижней части здания напоминают корпус корабля, из-за чего здание выглядит так, как будто оно ушло в мостовую, как если бы мостовая была морем.

 

 Пан-Пасифик Аудиториум, Лос-Анджелес, 1956 г.

 Кинотеатр Odeon в Саттон-Колдфилде, Бирмингем, был одним из 250 кинотеатров по всей стране.

Обтекаемый кинотеатр был спроектирован Гарри Уидоном и Сесилом Клаверингом и заказан Оскаром Дойчем в 1924 году. Кинотеатр был построен между 1935-36 годами и представляет собой все обтекаемые черты, включая морскую тематику с закругленными стенами, закругленными стеклами и небольшими окнами.

 

(Рисунок 1 Odeon Cinema Sutton Coldfield)

Дизайн кинотеатра «Одеон» стал образцом для Streamline Architects, в том числе в Англии.

 

 

– Невил и Тэмми  КАК «СОВРЕМЕННОСТЬ» STREEAMLINE ВЛИЯЛА НА СОВРЕМЕННЫЙ ДИЗАЙН

Как упоминалось ранее, механизм Streamline внес огромный вклад в современный дизайн. Аэродинамика, модернизм и эффективность по-прежнему имеют приоритет в основе современного дизайна, а каплевидная или пулевидная форма теперь стала обычным явлением в транспортной и бытовой технике.

Apple iPhone 5S может быть примером современной оптимизации.Изогнутые края и использование алюминия в конструкции являются классическими характеристиками движения Streamline, особенно на его более поздних стадиях, когда статическим объектам придавали те же аэродинамические характеристики, что и объектам, предназначенным для использования в качестве транспортных средств. Дизайн убедительный, провокационный и футуристический; снова отражая синтез и дух дизайна Streamline, одновременно отвечая промышленным целям, направленным на повышение потребительского интереса.

Моторная яхта Auspicious создана и построена роскошной итальянской компанией Mondo Marine в 2009 году.Яхта ранее называлась «Streamline II» из-за того, что ее дизайн во многом вдохновлен движением Streamline.

Яхта стоимостью 19 миллионов долларов шириной 50 метров оснащена стабилизаторами нулевой скорости, предотвращающими нежелательное раскачивание яхты, встроенным бассейном, кинотеатром и балконами, которые можно упростить в любой точке, просто сложив их.

Каплевидная форма и серебристо-серая цветовая гамма являются явными отсылками к обтекаемому механизму.

Сегодняшние поезда по-прежнему имеют форму, характерную для обтекаемых поездов 1920-х годов; Например, поезд Вани Валенсака «Маглев», который работает на электромагнитах и ​​позволяет нам двигаться со скоростью более 300 миль в час, является почти карикатурой на один из обтекаемых локомотивов Раймонда Лоуи.В то время как Лоуи пытался скрыть двигатели и внутреннюю работу своих поездов с помощью экстерьера в форме пули, у Маглева даже нет двигателя, поэтому выбросы нулевые. Концепции, использованные в конструкции поезда, были даже применены к космическим путешествиям, и эта идея регулярно упоминалась в научно-фантастической литературе в разгар движения Streamline. Как будто современные дизайнеры черпают вдохновение не только в работах Streamliner 1920-х годов, но и в своих футуристических мечтах.

Рисунок 1: Поезд EOL Maglev – Ваня Валенсак

Дизайн часов: (Бен)

На следующих страницах представлена ​​коллекция фотографий, которые показывают, как потенциально могли бы выглядеть часы эпохи Strealine «Moderne».Часы демонстрируют формы и стиль дизайна, которые использовались при их создании. Вы также можете увидеть из коллекции фотографий, какие материалы использовали дизайнеры. Вслед за коллекцией фотографий, показывающих часы из дизайнерского движения, есть еще фотографии, на которых изображен транспорт того времени, поскольку они подчеркнут другие отличительные формы, которые использовались в дизайне во время дизайнерского движения.

Материалы –

Материалы, о которых вы прочтете на этой странице, использовались для создания продуктов и транспорта в рамках дизайнерского движения Streamline «Moderne».Каждый материал имел свое собственное применение и использовался для разных целей. Некоторые материалы, такие как бакелит и нержавеющая сталь, должны были использоваться в продуктах внутри дома, тогда как алюминий использовался для изготовления транспорта.

Бакелит — это непроводящий термостойкий пластик, изготовленный из синтетических компонентов в 1907 году. Благодаря широкому спектру свойств материала он использовался в электрических изоляторах, корпусах радио и телефонов и других продуктах, таких как детские игрушки и фотоаппараты. В 1927 году компания Catalin представила миру бакелита 15 новых цветов.Позже они также представили мраморный бакелит, который создавал эффект слоя поверх бакелитового пластика. Материал использовался для множества различных применений во время Streamline «Moderne».

Алюминий

— серебристо-белый, мягкий, пластичный металл, который был найден в 1808 году Хамфри Дэви. Это легкий металл с низкой плотностью и высокой устойчивостью к коррозии, что было выгодно, поскольку он использовался на автомобилях, которые должны были размещаться снаружи. Легкий металл позволял машинам двигаться быстрее, поскольку они были легче.Из-за того, что материал был легким и простым в формовании, его основной целью в дизайне Streamline «Moderne» было использование в производстве поездов и самолетов, поскольку из него можно было формовать аэродинамические формы.

Нержавеющая сталь

не подвергается коррозии, не ржавеет и не окрашивается при попадании воды. Эти факторы означают, что нержавеющая сталь имеет множество применений, поскольку она имеет 150 различных марок и может быть адаптирована к большинству сред. Причина, по которой нержавеющая сталь может использоваться во многих различных средах, заключается в том, что ее можно фрезеровать в рулоны, листы, пластины, стержни, проволоку и трубы.Это потому, что это мягкий металл, который можно легко преобразовать в форму. Металл использовался во многих зданиях и автомобилях эпохи Streamline «Moderne», таких как Chrysler Building и автомобили Ford.

Винил

— это ПВХ, более известный как пластик. В зависимости от того, как создается материал, он может быть как жестким, так и гибким, атмосферостойким или термостойким, ударопрочным, толстым или тонким, а также любого цвета по вашему желанию. Поскольку винил был очень дешевым, не требовал особого ухода и мог быть изменен, чтобы быть жестким или гибким, изначально он имел лишь несколько применений, в том числе для изготовления труб, напольных покрытий и музыкальных пластинок.Однако большинство его применений не были обнаружены до второй половины 20-го века.

Несмотря на то, что стекло использовалось на протяжении столетий до Streamline «Moderne», новые методы, такие как литье и штамповка, позволили изгибать стекло в новые формы, которых раньше никогда не было. В период дизайнерского движения гнутое стекло широко использовалось в архитектуре этого периода. Это произошло потому, что это сделало здание более аэродинамичным, поскольку ветер, пролетавший мимо, отражался изогнутым стеклом.Он также немного использовался в упаковке, такая компания, как Coke Cola, использовала его в своей упаковке.

Техника –

В начале 20-го века были созданы новые технологии, которые позволили промышленным дизайнерам того времени по-новому взаимодействовать с материалами. Некоторые из этих новых методов назывались штамповкой и формованием, и оба они были революционными по-своему. Благодаря новой технологии дизайнер смог создать большое разнообразие новинок.

Штамповка — это метод, появившийся в 1930-х годах. Он включает штамповку, тиснение, изгиб и чеканку листового металла. Этот метод обычно является популярным методом, поскольку его можно использовать в различных продуктах в различных отраслях промышленности. Технология также позволяет получить хорошую отделку без необходимости последующего покрытия.

Формование — это промышленный процесс, который используется для формования жидкости, которая затем охлаждается, или для формования гибкого материала.Материалы формируются с помощью формы или матрицы. Такие материалы, которые могут быть помещены в эти формы, включают пластик, стекло, металл и даже керамику. Благодаря этой технологии удалось создать много новых товаров для дома, потому что технология позволяла продуктам иметь закругленные углы, поскольку материал охлаждался в форме. Это было выгодно, поскольку материал не был слишком хрупким, чтобы он не треснул при прикосновении, потому что до того, как было создано литье, если люди пытались создать кривые с такими материалами, как пластик, это было бы слишком хрупким и могло сломаться.

Хронология

Ник-

Тэмми –

Моторная яхта Auspicious была создана и построена роскошной итальянской компанией Mondo Marine в 2009 году. Компания проектирует, строит и осуществляет проектирование своих яхт на своей производственной площадке в Савоне, Италия. Яхта ранее называлась Streamline II, поскольку ее роскошный интерьер был разработан Luca Dini Design, а ее внешний вид был разработан Cor D Rover, голландской дизайнерской студией, специализирующейся на дизайне больших моторных яхт.Обтекаемая яхта шириной 50,80 метра представляет собой красивое, невероятное судно с гладкими линиями и морской архитектурой. Многие характеристики обтекаемого дизайна переняты в этой яхте стоимостью примерно 19 миллионов долларов, поскольку она имеет гладкий бесшовный корпус. Задняя часть яхты имеет закругленные края, которые подчеркивают ее сильный элемент. Некоторые из его особенностей включают в себя встроенный бассейн, стабилизаторы нулевой скорости, которые удерживают яхту от неудобного раскачивания, кинотеатр, который можно преобразовать в каюту 6 th  , и складные балконы.Использование элементов, которые можно преобразовать во что-то еще, дополняет уникальный стиль оптимизации и преувеличивает его высокое качество и модернистский вид, поскольку он сделан желанным и выглядит дорого, что было вдохновлено оптимизацией. Серебристо-бело-черная цветовая гамма также напоминает многочисленные обтекаемые конструкции из нержавеющей стали, хрома и алюминия. Форма яхты также слегка каплевидная, а также напоминает обтекаемый дизайн, поскольку она имеет схожие характеристики быстрой и гладкой, поскольку ее форма преувеличивает ощущение движения, скорости и футуристических качеств.

Рис ?. Auspicious Motor Yacht – Италия. (Мондо Марин, 2009).

Библиография

Боут Интернэшнл. (н.д). Благоприятный. [онлайн] Доступно по адресу: http://www.boatinternational.com/yacht-sales/30608/auspicious-for-sale

Чартерный флот. (н.д). Удачная яхта для чартера . [онлайн] Доступно по адресу: http://www.yachtcharterfleet.com/luxury-charter-yacht-24383/auspicious.htm

 

Хартия мира.(н.д). Моторная яхта Auspicious (бывшая Streamline, Project Streamline 2) — суперъяхта Mondo Marine. [онлайн] Доступно с:

http://www.charterworld.com/index.html?sub=yacht-charter&charter=motor-yacht-streamline-8740

Чартерный флот. (н.д). Удачная яхта для чартера . [онлайн] Доступно по адресу: http://www.yachtcharterfleet.com/luxury-charter-yacht-24383/auspicious.htm

 

Райан –

Дизайнерское движение

Streamline Moderne оказало большое влияние на локомотивостроение.Оптимизация поездов заключалась в добавлении металлических панелей снаружи локомотива. Панели сглаживали внешний вид локомотива, что не только придавало им уникальную эстетику того времени. Обшивка также служила цели снижения расхода топлива за счет уменьшения сопротивления воздуха. Идея рационализации состояла в том, чтобы увеличить скорость, хотя на самом деле это так и не было достигнуто.

 

Хорошим примером оптимизации локомотивов является Duchess of Hamilton, который был построен в Великобритании в 1938 году, а затем экспортирован в Соединенные Штаты для поездки на 3000 миль.Этот паровоз демонстрирует ключевые характеристики обтекаемого модерна, такие как длинные горизонтальные линии, нарисованные на обтекаемых пластинах. На нем также показана каплевидная форма в передней части поезда, которая пробивает воздух, полностью уменьшая сопротивление за счет своих аэродинамических свойств. Использование изогнутых линий вместо резких углов в работе кузова помогает уменьшить турбулентность проходящего над ними воздуха, что снижает коэффициент аэродинамического сопротивления.

Герцогиня Гамильтон вернулась в 1942 году после своего турне и посещения Всемирной выставки в Нью-Йорке в 1939 году.С 1946 года обтекаемость была снята с установленных локомотивов. Было обнаружено, что он не имеет большого значения на скоростях ниже 90 миль в час и не пользуется популярностью у работников склада, поскольку затрудняет доступ к обслуживающему персоналу. В 2009 году они модернизировали его, чтобы его можно было выставить в национальном железнодорожном музее в Йорке.

Библиография:

http://locomotive.wikia.com/wiki/Оптимизация

http://en.wikipedia.org/wiki/File:6229_Duchess_of_Hamilton_at_the_National_Railway_Museum.jpg

http://www.heritagerailway.co.uk/news/streamlined-duchess-to-go-main-line-to-see-the-a4s

 

Райан текст –

Rabinowitz (2006, стр. 34) заявил, что «стиль ар-деко под названием Streamline был представлен на всемирной выставке в Чикаго в 1933 году. Большая часть типографского дизайна, вдохновленного этим движением, была основана на тех же принципах, что и их физический дизайн; такие как использование аэродинамики, линий движения и скорости.

Huxley Vertical был разработан американским дизайнером типографики Уолтером Хаксли для компании American Type Founders.Этот шрифт был вдохновлен движением Streamline Moderne в стиле ар-деко, поскольку он демонстрирует некоторые ключевые характеристики, применимые к дизайну в период 1930-х годов. Закругленные кончики каждой буквы указывают на то, что она была вдохновлена ​​Streamline Moderne. Архитектура и промышленный дизайн того периода включают закругленные углы в форме «слезы», поскольку это аэродинамически эффективная форма из-за коэффициента сопротивления. Этот шрифт также включает в себя длинные прямые линии, которые также были ключевой особенностью продуктов Aerodynamic Streamline, таких как самолеты и кузова поездов.В этом шрифте также нет острых углов, все символы имеют сглаженные углы, что связано с движением.

Рабинович, Т. (2006) Изучение типографики, Клифтон-Парк, штат Нью-Йорк, Delmar Learning.

Этот плакат, созданный Артуром Радебо, был сделан в 1947 году для рекламы поставщика алюминия, латуни и магния. Использование крупных промышленных обтекаемых поездов свидетельствует об огромном спросе на металлы, которые они поставляют производителям. Масштаб людей по сравнению с поездом подчеркивает это, поскольку дает зрителю приблизительное представление о размере.В названии компании используется жирный сжатый шрифт, что является ключевым признаком того, что это было из периода модерна. Плакат передает футуристический характер.

– Нов

Вот дизайн моей книги для нашей обтекаемой книги. http://issuu.com/nevilanthonyfernandes/docs/the_book

Шрифты, используемые в книге, должны использоваться в дизайне наших отдельных книг.

Метрополис 1920, Бельрозе, Раави

Нравится:

Нравится Загрузка…

Связанные

Art Moderne Molding & Trim Architecture

ЧТО ТАКОЕ ART MODERNE АРХИТЕКТУРНЫЙ СТИЛЬ?

Архитектура Art Moderne, иногда называемая Streamlined Moderne, была стилем дизайна, возникшим в 1930-х годах. Архитектурный стиль подчеркивал изогнутые формы, длинные горизонтальные линии, закругленные углы, плоские крыши, горизонтальные полосы окон и гладкие стены без орнамента.

См. примеры архитектуры и лепнины в стиле модерн.

ХАРАКТЕРИСТИКИ АРХИТЕКТУРЫ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА  

Стиль ар-модерн развился из ар-деко, но имеет отличительные черты, такие как низкие горизонтальные формы. Стиль модерн также делает акцент на изогнутых формах, в то время как треугольники, зигзаги и шевроны чаще встречаются в стиле ар-деко.

Изогнутые оконные стекла, огибающие углы, отделка окон и дверей из нержавеющей стали, а также солнцезащитные навесы над южными окнами также были популярными деталями в стиле модерн.

Общие элементы стиля модерн:

  • Акцент на изогнутых формах
  • Простые геометрические фигуры
  • Длинные горизонтальные линии
  • Современные стили
  • Плоские крыши
  • Одноэтажные здания
  • Преимущественно белый

 

МОЛДИНГ В СТИЛЕ МОДЕРН

Молдинги в стиле модерн используют длинные, плавные, параллельные линии с мягкими углами и напоминают о скорости машинного века.

ИСТОРИЯ ИСКУССТВА СОВРЕМЕННАЯ АРХИТЕКТУРА 

Архитектура в стиле модерн воспринималась как ответ на Великую депрессию. По мере того, как мир становился более дисциплинированным после «Ревущих двадцатых», промышленные дизайнеры отдавали предпочтение более стильным архитекторам. Здания были спроектированы более обтекаемыми, в отличие от роскошного стиля ар-деко.

 

ПРОФИЛИ И ГАЛЕРЕЯ В СТИЛЕ ART MODERNE

 


Апарт-отель Barbizon, Ocean Drive, 600 Block, Майами, округ Майами-Дейд, Флорида
У.Военно-морская база С., Перл-Харбор, округ Гонолулу, Гавайи
Отель Kenmore, 1100 Вашингтон-авеню — исторический район Майами-Бич в стиле ар-деко, Майами, округ Майами-Дейд, Флорида
1Завод сухого розлива в Канаде, 4370 Northeast Halsey Street, Portland, Multnomah County, OR


.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.